AKROMUSTO, говорят, сменил акценты, поднял перископ выше, постучал по стеклу на компасе. Однако после 20 лет музицирования и почти 20 альбомов сменить настройки может кто угодно. С какими угодно мотивами. А что случилось? Сейчас послушаем.
С самого интро, загадочного, как низкоутробный вой шамана, с оголтелой полуиспанской акустической гитарой, становится всё непонятно. Единственно думаешь, что атмосферы нужно было сюда в этот трэк закачать - на две-три сотни миллиметров ртутного столба.
Впрочем, после этого интро под названием "Blackening" начинается самый настоящий эксперимент - индустриализованный Ultra True Black Metal. Не обращенный к массовому слушателю, наоборот - отрицающий его существование как класса. Но однако обращающийся к неким субъектам, которые, например, отличаются повышенной дискретностью восприятия (способностью обрабатывать большее количество информации за единицу времени).
Это необходимое условие для того, чтобы распознать партии ударных, гитар и еще чего-то адского в этом безумном замесе. Кстати, индустриализированность - это именно в этом аспекте = партии ритм-секции сочинены, исполнены и собраны в итоговое состояние, скорее всего, с помощью электронных ударных. Хотя можно, конечно, сделать и «ручками» из двух-трех-четырех наложенных слоев.
Намеренный дестройный хаос имеет свой смысл и задачу, первое - то, что лежит на поверхности - это упомянутый шаманизм - введение пациента в особое гипнотическое или экстатическое состояние для того, чтобы он мог воспринять своим подсознанием какие-то идеи, которые невозможно вложить обычным путем. "Ну это так сложно", - скажете вы.
Само собой, нелегко.
Но это не задача номер один, первая - это выдержать этот антимузыкальный натиск, а там уже как пойдет. Из этого не следует абсолютно, что я рекомендую кому-то послушать этот диск. Наоборот, если вы не совсем в курсе, то лучше бежать сломя голову подалее.
Мне вот, что интересно стало - кроме акустических проходов (без малейшей обработки, что уже странно) в этом жерле вулкана встречаются некие медленные темы, которые, как шипящей и скворчащей лавой, одухотворены экстремально примоченным вокалом.
А вот эти якобы небыстрые куски в котле под этикеткой «Зов ветров» с уверенностью можно идентифицировать как овер-брутальный Doom Death Black Metal. Просто там создается крутейшее инструментальное давление и границы между жанрами сплавляются и стираются. Grindcore? Да! Black Metal? Да! Doom Metal? Да! С безумным ударником и медленной охватывающей УДАВной мелодией. Так там есть мелодия? Ну как вам сказать...
Ну и да - про этот вокал нужно еще сказать пару слов. Для начала поблагодарить автора, что он вообще применил его здесь, ибо инфернальных артефактов здесь и без вокала хватает. А этот «голос», похоже, был извлечен из каверн подземного мира, и в целом мало приспособлен к обитанию в человеческом ареале бытования.
Кстати говоря, я посетовал выше, что маловато атмосферы кое-где на этом диске. В итоге понял, это не от недостатка мастерства, а от стремления создавать совершенно иные музыкальные объекты из параллельного адского мира. Что хорошо подчеркнуто в трэке «Antagonist», где атмосфера вдруг ниоткуда появляется и в никуда исчезает, оставляя на своем пути растерзанные галактики.
Пару слов по саунду. Стремитесь к лучшему звуку на этом пути в хаос и трагедию! Потому что иначе всё пропадет зря. И время, и утраченные нервные клетки. Это как раз самый тот момент, что нужно высшее качество для того, чтобы понять, что хотел уничтожить музыкант. Да, тут есть несомненные звуковые парадоксы, когда звуки сталкиваются и не расходятся (как на виниле Def Leppard «Pyromania» под продюсированием Robert'a "Mutt" Lange), наоборот, некоторые партии зверски жрут друг друга, сгрызают (это слышно), создавая выжженное пространство. И да, это впечатление и хотел создать автор.

resurgamresponses  25 дек 2023

Тот факт, что напряжённость в рядах UFO при Михаэле Шенкере к концу десятилетия 70-х годов росла и копилась, уже не представлялся большим секретом. Посчитав, по всей видимости, себя незаменимым, М. Шенкер мог многое себе позволить, вплоть до того, что по ходу гастрольного тура запросто оставить расположение группы и на неопределённое время исчезнуть в самоволке. Или же покинуть сцену прямо в разгар концертного выступления.
Последняя подобная его выходка случилась 29 октября 1979 года сразу после завершения концерта UFO в небольшом калифорнийском городке Пало-Альто (Кремниевая долина). Больше в составе знаменитого британского рок-коллектива самобытного немецкого гитариста не видели. Вскоре он объявится в Scorpions, но ненадолго, только для того, чтобы сформировать состав собственной команды и начать сольную карьеру.

Не в первый уже раз тур-менеджмент UFO вынужден был прибегнуть к услугам резервного гитариста, валлийца Пола Чэпмена (Paul Chapman), на тот момент находящегося в бессрочном отпуске (его группа Lone Star зависла в неопределённой бездеятельности). П. Чэпмен вынужденно присоединился к UFO в ходе американского тура, совместного с канадцами Rush. Влиться в тот состав именитого британского квинтета ему было не слишком сложно - подменять немецкого гитариста-виртуоза Чэпмену случалось и раньше. Бывало, впрочем, что они выходили на сцену и вместе.

Окончательный исход Михаэля Шенкера из UFO прогнозировался - неуравновешенный характер этого парня вызывал и творческие разногласия, и испорченные отношения в составе группы. Многие причастные к команде люди уже были готовы к тому, что "развод" с уникальным гитаристом не за горами. Сопоставлять профессиональный уровень М. Шенкера с кем угодно было бы и некорректно и неконструктивно. Не являлось секретом и то обстоятельство, что Пол пребывал под влиянием Михаэля, хотя и был немногим старше. И то, что манера игры на гитаре валлийца была близка к стилю немецкого рок-кудесника, было одним из его плюсов (как и то, что Чэпмен был хорошо знаком с репертуаром UFO). Поговаривали, впрочем, что в качестве претендентов на место Шенкера, назывались имена достаточно известных гитаристов. Даже из числа занятых, к примеру, Эдди Ван Халена.

В общем, именно Пол Чэпмен стал преемником Шенкера, и с ним пятёрка музыкантов включилась в работу над новым альбомом, начав этот увлекательный процесс в филиале студии AIR на экзотическом острове Монтсеррат в Карибском море. Представители Chrysalis обеспечили группу солидным бюджетом, под который был нанят легендарный продюсер Джордж Мартин, тот самый, что в своё время курировал The Beatles. Предполагалось, что участие в записи альбома Дж. Мартина должно было способствовать созданию убойного хит-сингла. Как минимум. Подобного давления со стороны боссов компании, группа, пожалуй, ещё не испытывала, но привело ли это к желаемому результату? Лучший из двух синглов (с песнями "Young Blood" и "Lettin' Go") по версии ОCС (Official Charts Company) на Туманном Альбионе не поднялся выше 11 места. В США в 1980 году по версии Billboard 200 этот сингл был всего лишь 51-м.

Мотивы Chrysalis, казалось бы, были прозрачны и объяснимы: по ту сторону Атлантики много шуму навели Styx и Foreigner. По замыслу компании новый альбом UFO обязан был стать своеобразным британским ответом американцам.

Начало программы "No Place To Run" получилось обнадёживающим. После индифферентной инструментальной зарисовки "Alpha Centauri" следует огненный остросюжетный рок-боевик "Lettin' Go". Эта связка не могла не вселить надежды у многочисленных поклонников классического тяжёлого рока, всерьёз обеспокоенных экспансией на тех же Британских островах, как, впрочем, и на заокеанском континенте, гнусного панка и слащавой "новой волны". Смущало, однако, что в бóльшей части программы в титрах трек-листа мелькала фамилия П. Чэпмена, а чего ожидать от этого парня, пока что было загадкой.
Впрочем, в "Lettin' Go" Пол не подкачал, его изощрённая гитарная дорожка впечатляет, хотя и исполнена, что называется, по мотивам М. Шенкера. А решительная экспрессия композиции подозрительно напоминает стилистику популярного в те времена квинтета Дэвида Ковердейла Whitesnake.

А вот по-американски прозвучавшее intro в энергичном кантри-блюзе "Mystery Train" навевает ассоциации иного рода. Такого вступления следовало бы ожидать от американских команд (скажем, Blackfoot с их "Train, Train" из LP "Strikes", 1979 г.), или, допустим, от окончательно реинкарнировавших к концу 70-х бывших британцев из Foghat (что-нибудь вроде "Honey Hush" из LP "Energized", 1974 г.), которые, между прочим, ещё в первой половине десятилетия являлись непревзойдёнными апологетами истинного рок-н-ролла. За что и получили признание (а затем и прописку) в Американских Штатах.
"Mystery Train", кстати, единственный "чужой" номер в программе "No Place..." (автор - Herman "Junior" Parker, известный в 50-60-х годах негритянский певец и композитор, а эту его песню в разное время в свои репертуары включали некоторые звёзды американской сцены, в их числе и Элвис Пресли).
Пол Чэпмен старательно продолжает сыпать направо и налево своими сольными партиями. И если не вспоминать о М. Шенкере (а без этого пока никак не обойтись), гитара Чэпмена звучит достаточно убедительно. А в концовке к нему подключается Пол Рэймонд и завершается эта песня под аккомпанемент гитарного тандема. Жаль, совсем недолго, а ведь могли бы развернуться! Но нет...

Рок-композиция "This Fire Burns Tonight" с чуть усложнённой мелодической схемой, пожалуй, из разряда проходных. Типичный, ничем не примечательный текст, таковыми битком набиты репертуары блуждающих по американским городам и весям бесчисленных местных рок-команд, да и гастролирующие там европейцы охотно наигрывали песенки такого рода:

"...Сегодня я и мои партнёры переезжаем.
То вверх, то вниз мы кочуем из города в город
По асфальту пустынных дорог.
Девушки в неоновом свете
Ночи напролёт распевают блюз.
Но ты понимаешь,
Они никогда тебя не полюбят -
Они путешествуют налегке, путешествуют налегке..."

И своеобразным рефреном на протяжении всей этой песни звучит фраза Фила Могга:

"Этот огонь горит всю нынешнюю ночь,
Улицы полыхают -
Это мы отрываемся в этом городе!"

Очередной гимн странствующих музыкантов.

Одна из примечательных композиций альбома - "Young Blood" со сдвоенным вокалом (Ф. Могг - П. Уэй), одна из немногих, написанных без участия П. Чэпмена. Ещё одна печальная история напрасных надежд и разбитых иллюзий. Удивительное дело, как много подобных историй от лица незадачливого любовника, словно почерпнутых из личного опыта, поведали нам, казалось бы, успешные во всём креативные рок-музыканты того времени.
Довольно заезженная, но весьма популярная тема, когда героя-страдальца ни во что не ставит его женщина, а в ответ - щенячий скулёж. И таких сюжетов - не счесть!

Над названием альбома, похоже, никто особо не заморачивался. К картинке на лицевой стороне конверта LP прицепили наименование одной из песен программы пластинки. Самым подходящим, видимо, тогда представлялось название "No Place To Run". Так и назвали. Ещё одна из часто встречающихся тем в песенной рок-поэзии - уличный беспредел и проблемы насилия в условиях ночных каменных джунглей больших городов. Думаю, даже те же Ф. Могг и П. Уэй не впервые обратились к этой теме. На этот раз они поведали слушателям проникновенную сагу о парне по имени Джоуи, для которого та ночь стала последней.

Таким вот образом, чередуя динамичные треки ("Money, Money") с относительно спокойными ("Take It Or Leave It"), музыканты UFO подводят нас к самой, наверное, загадочной песне этого альбома под названием "Anyday", место которой, как мне представляется, уж точно не в конце трек-листа "No Place..."
Меланхоличный блюз-рок с дискретной мелодией, где блюзовые и хард-роковые фрагменты чередуются меж собой - не самое удачное решение такой композицией зафиналить эту программу. Её место, всё же, ближе к началу, сразу следом, допустим, за "Lettin' Go". Но что есть - то есть...

"Кажется, мы так одиноки,
Но в этом нет ничего нового -
Мы делаем то, что обязаны делать,
Ты и я.
Я вновь вернусь домой,
Хотя там не осталось ничего,
Кроме пустых комнат.
Мы проходим, не глядя друг на друга,
И, похоже, так будет продолжаться вечно..."

Последовавший за выходом в релиз диска тур по Америке стал едва ли не триумфальным для группы. Но, и это следует признать, публика рвалась на выступления UFO скорее по инерции, припоминая былые заслуги этих британцев. Относительный новичок квартета П. Чэпмен был воодушевлён успехом, пожалуй, больше других: "Тур "No Place To Run" стал туром, в котором многое поменялось - в США мы являлись хедлайнерами и этот альбом стал одним из востребованных в Штатах из всех у UFO. Ажиотаж был невероятный! По результатам того тура многие стали считать "No Place..." одним из любимых..."
Но чуть позже тот же Чэпмен был уже не так преисполнен восторгами: "Мы были слишком заняты гастролями. Наш график был слишком плотным - мы пытались выжать из года все 15 месяцев. Но богаче мы не становились, тратя большие деньги на пустяки, о чём свидетельствует несколько жутких историй. Мы сами себе были злейшими врагами, совсем не задумываясь, что впереди у каждого ещё лет по 20 жизни. Но, с другой стороны, можно быть богатым, но чертовски скучным!"

Как бы то ни было, с уходом из группы М. Шенкера запись "No Place..." привела UFO к коммерческому обвалу. Хотя многими и считалось, что это у них не более чем незначительная осечка. Но опять же, падение массового интереса к гитарному хард-року в стиле mid-tempo всё больше свидетельствовало об угасании стареющих рок-групп 70-х годов (скажем, Bad Company или Nazareth), на смену им заступали многочисленные представители NWOBHM. Те же Def Leppard, к примеру, продвигали похожий, но уже более востребованный вариант незамысловатого, где-то даже угловатого хард-рока с ориентацией на американский рынок, где предпочтение имели австралийцы AC/DC. А UFO в то же самое время упорно продолжали цепляться за старое. Более молодые и амбициозные, пожалуй, даже более предприимчивые парни из тех же Def Leppard, готовы уже были заполнить собой всё мировое рок-пространство, а UFO продолжали оставаться на уровне "No Place To Run". В то время как, скажем, их композиция "This Fire Burns Tonight" (что-то в духе Джексона Брауна) представлялась неким анахронизмом, всё более молодеющая аудитория UFO была готова переметнуться к вновь образовавшейся конгломерации Michael Schenker Group или к тем же вовремя перестроившимся Scorpions c Judas Priest, т. е. к более суровому звучанию.
Так что назвать диск "No Place To Run" стратегическим просчётом UFO было бы, пожалуй, слишком великодушно по отношению к уважаемым британским рокерам. К своему выходу в релиз в начале 1980 года альбом уже состарился. И прошедшие с той поры 40 с лишним лет в этом плане мало что изменили.

И всё же, пластинка эта из разряда, что не может совсем уж никому не нравиться. Всё зависит от сиюминутного восприятия, когда большинство слушателей непременно отыщут для себя что-то привлекательное. Но с учётом того, что "No Place..." не принято бурно нахваливать, эти свои предпочтения они, скорее всего, оставят при себе. Как, допустим, я.

МихаилБогданов  25 дек 2023

Второй альбом группы (последний под этим названием, следующий уже будет под вывеской The Kovenant), как мне кажется, поднял планку качества в стиле Melodic/Symphonic Black Metal настолько высоко, что я даже не могу сходу назвать конкурента. Уникальный, многослойный, удивительный своей мелодикой, атмосферный, увлекательный акт конца безбашенных 90-х. В те годы это была смелая попытка скрестить звучание black metal c мощными симфоничными клавишными, великолепным оперным пением в качестве фона и значительным влиянием европейской классической музыки в отдельных проигрышах.
На предшествующем дебютнике ядро группы составляли два музыканта – Nagash (басист Dimmu Borgir того времени) и Blackheart. Во время записи «Nexus Polaris» к коллективу присоединились Astennu (гитарист Dimmu Borgir актуального периода), Sverd (клавишник авторитетнейших Arcturus) и всем известный Hellhammer (Arcturus, Mayhem и прочая). На мой взгляд, столь авторитетная компания имела все шансы сделать достойную пластинку и у них это получилось. Я не знаю, почему именно эти музыканты появились в студии… или это личные контакты, или это влияние звукозаписывающего лейбла Nuclear Blast, но результат оказался превосходным. Если меня спросить о наиболее ярком альбоме в стиле Symphonic Black Metal – мой ответ всегда предсказуем – Covenant «Nexus Polaris», а не Dimmu Borgir «Puritanical Euphoric Misanthropia» или «Death Cult Armageddon», к примеру.
Отдельные благодарности необходимо произнести в адрес Sarah Jezebel Deva, в буклете альбома она указана в списке музыкантов группы как «Sarah Jezebel Deva - Starsong», и это есть дань заслугам этой великолепной певицы, превосходнейший голос которой гармонично сочетается с музыкой и очень красиво её дополняет. Если кто не знает, пение Сары звучит практически на всех работах Cradle of Filth с 1996 года, на нескольких дисках Therion и еще на многочисленных альбомах групп не столь известных.
Несколько спорным здесь видится вокал Нагаша, по мне так нормальный блэковый голос, но есть часть черных ортодоксов, считающих его недостаточно убедительным… это их личное мнение.
Что касается музыкальной составляющей сей работы, скажу так – это шедевр, это искрометный металл, не ограниченный ни техникой музыкантов, ни рамками какого-то стиля, ни отсутствием привлекательных мелодий. А какая шикарная, с холодком, атмосфера на этом полотне! Монументальный в своей последовательности и логичности альбом. Классика жанра и просто отличная пластинка.
Мое личное восхищение «Nexus Polaris» подтверждается приобретением в конце прошлого года первопресса от Nuclear Blast на CD.

Volot  24 дек 2023

Коллектив, знакомый всем посвящённым в жанр брутального дэта, Deeds of Flesh, выпустил вторую пластинку "Inbreeding the Anthropophagi" в урожайном для жанра 1998 году. "Trading Pieces" уже дал команде высокую репутацию, но данный альбом, хоть и столько же короткий для полноформатника, внёс несколько изменений в формулу.

По сравнению с предыдущим диском выросла как длина песен, так и ещё более заковыристой и неспокойной стала их структура. Переходы стали резче, однако молотилова поубавилось в характере звука - если на дебютнике был подкрученный, громкий звук ударных и больший акцент на режущем компоненте гитары, тот тут уши подмечают немного продюсерского лоска, привнесённого на сей раз Томасом Джинджеллом. Пожалуй, неохотно признаю работу на рецензируемой работе более совершенной, хотя и "Trading Pieces" мне доставил кайф. Сопровождаемая переменными выступлениями от гитариста Эрика Линдмарка (мир праху), что изрыгает свой гроулинговый надгортанный рык и Джейкоби Кингстона, представляющего более высокий скриминг, инструментальная часть в свете вышеописанных преобразований тем не менее местами страдает от неприкрытой несовместимости некоторых частей. В последующих работах с этим у более опытных с тех пор музыкантов будет больше порядка. Эти же гитарные торнадо позволяют показать даже без применения соло то, что Линдмарк не лыком шит и способен вытворять с гитарой высокобалльные трюки. А вот Кингстон уже не так играючи управляет басом, как на первом полноформатнике. Беспорядок со звуком барабанов (так уж вышло, что вместе с барабанщиком) был тоже устранён. Брэд Палмер справляется с ношей достаточно хорошо.

В итоге мы получаем весьма хороший в рамках Deeds of Flesh альбом, но в сравнении с предыдущими в выигрыше остаются работы между ним, что, при всём этом, не даёт мне права назвать "Inbreeding..." слабым.

IJzerklompje  22 дек 2023

Что я ожидал

2012-й год.
Я неистово жду альбом Cryptopsy одного с группой названия, будучи преисполненным как надежд, так и опасений. Да, мне понравился несчастный «The Unspoken King», но повторюсь, что канадцам играть такое было не к лицу. Поэтому мне тоже был интересен вопрос реабилитации, так как было очевидно, что Фло, со своим девизом «Джамп да фак ап виз Криптопси» и дальнейшими препирательствами с фанатами, откровенно лоханулся и развитие подобных идей в дальнейшем группу просто бы убило. «Cryptopsy» получился хоть и осторожным, но интересным альбомом, который пусть и не вернул в лоно церкви отъявленных фанатов, отвернувшихся от канадцев в 2008-м, но продемонстрировал главное — потрясения «Короля» не изуродовали почерк группы и не надломили её волю к борьбе.

2023-й.
Я уже никому не верю и ничего не жду... (с)
«As Gomorrah Burns» я ждал, наверно, так же, как в среду ждут, что следом наступит четверг. Стал ли я старой циничной скотиной, которой наплевать даже на любимцев, или же просто чувствовал, что ничего выдающегося ждать не стоит — сказать сложно. Но лукавить не стану, мне было интересно, отойдут ли они хотя бы на полноформате от анаболического курса «The Book of Suffering», или же продолжат накачивание мышцы в ущерб всему остальному? Несмотря на имеющиеся огрехи, оба «Тома» мне нравились и нравятся, но кто даст гарантию, что забой, работающий на расстоянии четырёх песен, будет работать на расстоянии в два раза больше?

Что я получил

Заметного прироста интеллектуальной компоненты ожидаемо не случилось, Фло и Ко продолжили считать разговор с позиции силы оптимальной тактикой и от души навалили злейшего техно-дэта. К сравнениям с альбомом 2012-го года мне даже не хочется прибегать - на фоне «As Gomorrah Burns» он выглядит просто образцом элегантности. Но это-то ладно, хуже другое: даже на фоне «Книг» сабж звучит не столь мясно, сколь припадочно. Мне раз семь пришлось прослушать новинку от начала до конца, чтобы перестать, наконец, сидеть с лицом ничего не понимающего лётчика из мема и начать хоть как-то разбираться в этом месиве, которое на первых порах звучало, как одна длинная и суматошная песня, нашпигованная как попало хуками.
Отсюда вырисовывается следующий расклад: если на «Cryptopsy» парни взяли отовсюду понемножку, как бы извиняюще скомпилировав всё то, что предшествовало «The Unspoken King», а на EP'шках показали, как мог бы звучать этот самый «King», если бы на группу не навалился трендовый жор, то здесь взяли за основу «Whisper Supremacy», наследие которого нынешнему составу оказалось попросту не по зубам. Да, альбом 98-го года хоть и сложен (порой до душноты), но там сложность многослойна, обоснована и логична, и она предлагает задачки, которые хочется решать, да и риффов удачных там навалом. Здесь же все эти трюки со сменой ритма и пробежками по грифу похожи на какую-то истерическую попытку методом силового рандома родить что-то стоящее. Поскольку тяга к экспериментам, очевидно, была давно и надолго отбита волной хэйта в конце 00-х, то получается своеобразная картина технично исполненного топтания на одном месте, и даже в далеко не чуждой группе мелодике не чувствуется былой прыти: мало того, что её тут кот наплакал, так она сама по себе либо пугливая ("Lascivious Undivine", “Godless Deceiver”), либо без должного развития (“Flayed the Swine”), либо вообще самоплагиат ("Ill Elder").
Несколько упрощённый звук тоже так себе помощник, так как именно напористая подача EP'шек помогла бы «Гоморре» звучать если не более собрано, то хотя бы сильнее подчеркнуть положительные стороны оного.

Песни

Выбор лучшей - задачка чуть ли не из высшей математики, так как пусть интересных ходов тут немало, но складываться в что-то полноценное они упорно не хотят и крайне редко даже соседствуют друг с другом.
Но и пройти мимо нельзя, поэтому кратко, сухо, по делу, обо всём:

1) "Lascivious Undivine" - “Two-Pound Torch” для бедных, но с хорошей, вариативной вокальной работой и неплохим брейкдауном, венчающим композицию;
2) "In Abeyance" - эпилептический припадок. Коротко, просто, возможно даже со вкусом;
3) "Godless Deceiver" - первая относительная удача. Качовый, "вскапывающий" рифф и более-менее стройное повествование в целом хорошо работают после двух подряд судорожных треков;
4) "Ill Ender" - серединка на половинку, мелодически паразитирующая на "Halothane Glow";
5) "Flayed the Swine" - что ударная секция, что мелодичная мне нравятся, но только по отдельности, вместе же синергии они не достигают, вынуждая песню звучать «поддато» и несобранно;
6) "The Righteous Lost" - песня с наибольшим потенциалом из всех, но все интересные приёмы ("переливающийся" рифф, басовые "пробежки" и т. д.) между собой сцеплены совсем из рук вон плохо, из-за чего нужный эффект не достигается;
7) "Obeisant" - первый трек, оказавшийся у меня хоть на каком-то репите. Этому поспособствовал роскошный психопатический рифф в начале композиции + парочка других фишек. Уже традиционная для альбома фаршеообразность в этот раз помехой оказалась не фатальной. Привык, наверно;
8) "Praise the Filth" - от вступления у меня мурашки по коже пошли, а это уже что-то. И пусть дальше музыканты не нашли ничего лучше, чем жевать этот удачный приём до развала челюсти, но сам факт того, что они наконец-то осмелились на полноценный атмосферик делает им честь, а саму песню пусть и запоздалым, но всё же заметным явлением в их дискографии.

Резюме

Общая картина как будто бы неплохая, а если знание дискографии Cryptopsy ограничивается парой предыдущих EP, то вообще всё пучком. Но знающие группу хотя бы даже с одноимённого альбома уже начнут что-то подозревать, а для тех же, кто знает Cryptopsy вдоль и поперёк (а таких большинство), «As Gomorrah Burns» будет выглядеть в лучшем случае ok.jpg-альбомом, в худшем — претенциозным кривлянием людей, 75% из которых к классике канадцев отношения не имеют никакого. Я хоть и отношусь формально к третьей категории, но категоричен не буду и отмечу банальную вещь - если не ждать повторения подвигов былых лет и просто настроить себя на прослушивание злого металла, то результат удовлетворит. Да, проблемы имеются, но в ходе прослушивания первичная растерянность слабеет, процессы «As Gomorrah Burns» не становятся логичнее, но становятся понятнее, удерживая альбом в режиме прослушивания довольно крепко, хоть и не всеми его частями. Давно пора смириться, что Дональдсон не особо хорошо Созидает, но очень хорошо Разрушает, и пусть здесь он несколько "поплыл", но даже в таком виде альбом язык не поворачивается назвать неудавшимся. И это ещё за скобки вынесены Фло и Мэтт, уровень которых падать не способен в принципе. Первому хоть Буратино c “нулями” в качестве гитариста поставь - Фло и из него человека сделает, а второму претит однообразие и он из раза в раз жонглирует своими вокальными скиллами. На дилогии Мэтт продемонстрировал степень своей озверелости, но здесь сбавил обороты, сделав ставку на бОльшую подвижность и разборчивость. Теперь с музыкой он окончательно стал единым целым, больше не представляя собой оторванный от неё элемент, как в 2012-м. Если бы ещё его лирика соответствовала его вокалу, то было бы вообще всё в ажуре, но за 15 лет в группе слог Мэтта лучше не стал, и всю ту муру, что он тут выкрикивает, читать не шибко интересно.

Надеюсь, что и в дальнейшем лирика останется худшим аспектом группы, а альбомы будут выходить почаще. Тем более, что «As Gomorrah Burns» явно не звучит как диск, достойный перерыва в 11 лет, даже при наличии "разморозок", в виде «The Book of Suffering».

MAX DE SADE  20 дек 2023

В каком-то интервью Enomys, гитарист и пианист группы раннего периода, описал стиль Dark Lunacy как "Dramatic Death Metal", по большей степени из-за используемых скрипок, которые придают флер драматизма и ностальгии. Сейчас на своем сайте музыканты пишут попроще - Symphonic, Melodic Death Metal из Италии.
Ко всему прочему, Enomys рассказал, что «группа повествует о «глупой стороне» человеческой натуры, которая внутри каждого из нас, но всё-таки чаще прячется во тьме».
Кроме того, группа приобрела в России известность из-за того, что обращалась к темам русско-итальянской истории и русской литературы.
А музыканты собрались в 1997-ом, после первого ЕР 1998 года и демо 1999, группа подписывает контракт с Fuel Records и в сентябре 2000 уже выпускает первый полноформат "Devoid". Команда у себя на сайте утверждает, что альбом "Devoid" имел гигантский успех и два хита из диска - "Forlorn" и "Dolls", помогли группе приобрести известность, и самое главное - новый контракт на следующий альбом.
Портал TrueMetal.It расхваливал альбом с применением эпитетов «шедевр» и так далее. Ну это ему положено так говорить, смотря на локацию издания. Почему-то на Западе не принято гнобить отечественных музыкантов. Странно, да?.. Посмотрим, сохранил ли альбом через четверть века свое очарование...
Начинается он со стерильного скрипичного или виолончельного интро, поддержанного вскоре метал-ритм-секцией. Проверив по буклету, понял, что не ошибся - среди приглашенных есть такие инструменталисты. Всего 6 человек, включая вокалистку. Ну само собой, музыканты быстро переключились на MDM. И вот что показалось (да не показалось, а так и есть) - например, в первом трэке у нас отдельно MDM и отдельно скрипично-виолончельные партии. В MDM идет какой-то очень глубинный второй слой чего-то похожего то ли на хоры, то ли на вложенный инструментал, но он практически не понятен (слушаю в высшем качестве). Так что со старта имеем трэк с дискретными, не пересекающимися мелодическими линиями.
Немного подправили это во второй песне, где в MDM всыпали виолончельного жара, и немного пианино. Причем альт или виолончель здесь сначала исполняет партию солирующей гитары, а это проблематично из-за элегантного академического звучания этого инструмента. К середине трека создается мост, который символизирует, что музыкальная диспозиция перестраивается к настоящему традиционному Симфоник-Металу. А к финалу песни Dark Lunacy показывают реальное мастерство, решая свои темы в Symphonic Dark Metal.
В трэке "Forlorn" полноценно использован хор с песней по-русски «Полюшко-поле», которую итальянцы свободно вставили в свой фирменный Dark Metal, и кажется, уже вполне освоились в своей нише, не забывая также и о MDM. Эту тезу доказывает и динамичная композиция "Frozen Memory", где музыканты неожиданно по-Терионовски инсталлируют женский хор, и вообще после середины продолжают тему в симфоническом ключе.
Однозначно разыгрались... и реализация Symphonic Metal идет на хорошем уровне, единственно (сравнивая с Терионом) - продюсирование иное. Но кто сказал, что все должны подражать в звуке Териону? Причем уверен, что такая отстройка саунда кому-то понравится больше - уши у всех разные.
В "Cold Embrace" музыканты солидно (кроме MDM) делают Готик-Метал на противопоставлении двух вокалов - харша и женского чистого. А на Doom Deаth-территории группа вполне логично вторгается в "December".
Интересно, что в трэке «Варенька» Dark Lunacy обращаются к роману Ф. М. Достоевского «Бедные люди», и это происходит на фоне энергичного MDM с эпизодическим не очень выразительным аккордеоном на втором плане и да! - женским вокалом.
К финалу диска команда нисколько не сдается, а продолжает мелодические и металлические изыскания, причем обращая все наработки в доступные формы, очевидно апеллируя к массовому (металлическому) слушателю.

resurgamresponses  16 дек 2023

Последнюю неделю в Новосибирске стоят лютые морозы. Температура на градуснике колеблется от минус 30 до самых подступах к 40 градусам, а ощущается ещё холоднее. Ходить никуда совсем не хочется, и здесь ранее не очень любимое общежитие выпячивает свой главный плюс. Не без размена, тем не менее...ТЭЦ недотапливает, плед недогревает, лишь староста общежития способна подпалить, и косвенно согреть, очередной претензией. Пока тысяча человек делит две прачечных автомата, а хорошенько помыться в душе нередко - приключение, начинается вновь тот скрежет зубами и пробирающая тоска по родной деревне. Личинки всяческих депрессий и тоскований появляются, как по команде, кучами в этой психически антисанитарной среде. Сессия стремительно надвигается, сбивая шелома с нерасторопных студиков. И пока по ПУПРу и фонетике готовы поставить пятерку, закрыв прогулы за красивые глаза и немножко за отточенный благодаря Top Gear и прочему любимому медиа-контенту recieved-голос, препод по возрастной анатомии, писать по которой все в гробу видали, требует знать всё и писать всё. Эти ошибки вновь наводят печаль, раздражение, апатию... Нужны пестициды на этих гадов. Нужно снять стресс этого поганого декабря. Нужно послушать что-то очень действенное...

Порой, в порыве малорациональной ворчливости, кажется, что Новосибирск - посольство Ада в России, скотный двор и морозилка для забитых кур в одном флаконе. И тут осенила идея - а не вдохновился ли кто-нибудь такой истинной гадостью в метал-сцене? И дошло ли это до заграницы? В Метал-архивах пробивается группа Escutcheon, прямиком из Нидерландов, возглавляемая, на минуточку, нынешним басистом Асфикса, двухметровым Алвином Зюром. Песня так и называется - "Novosibirsk". Впрочем, навыка слухового восприятия вполне хватает, чтобы догадаться, что к Новосибирску или к Сибири вообще никакого отношения трек лирически не имеет. "Ярость в наших жилах кипит", "Мы пытались сдержать ненависть" - набор клише, никакого НОВАТа и никакой гигантской "супер-брежневки", возвышающейся у главного вокзала.

А вот музыкально данный альбом - весьма приятный мелодичный дэт. Основная мело-гитара разливается плавно, без каких-то рывков, нет "льда", как в звуке ранних Бодомов, но, хотя и не до панической крайности, как иногда бывает, присутствует понижение в миксе ритм-гитары и баса. Таким способом многие мелодичные группы хотят "разгрузить" дэтовую тяжесть. Не всем группам это к лицу, и Escutсheon местами зазвучал бы получше, если бы данных финтов не производилось. Здесь тем не менее немало участков с быстрыми риффами и бластбитами, напоминающими Carcass. Игра барабанов порой ощущается немного ленивой, не самой виртуозной, но сыграно в целом без просчетов и промахов. Отмечая вокал, он обладает эдаким оттенком звучания раннего Paradise Lost. Но думовых оттенков в музыке нет. Мелодические приёмы не являются какими-то запредельными в своей сложности и заковыристости. Однако сварены вместе части вполне хорошо, отмечу то, что на диске нет слишком сильно контрастирующих мест и переходов. Из самых достойных песен я выделю "Tyrant Captain", вторую половину "Astral Kingdom Gone" и "Mind Over Matter". А вот "Multiple Temporal Incursions" вышла сырой, запишу коллективу в минус данную композицию.

В целом альбом оставил вполне хорошее впечатление. Под вид из окна, крупный снегопад и тяготы накапливающихся недовольств "Unexplained Deep Space Phenomenon" вполне подошёл как небольшая эмоциональная разрядка. Она очень важна - морозы уже спадают, а зачёты выходят уже на следующую, последнюю неделю. Ведь в семестре наиболее важен догоняющий, "последний рывок", с которым у Escutcheon в данном дебютнике, в сумме добротном, вышла заминка.

IJzerklompje  15 дек 2023

20 лет назад вышел шестой студийный альбом Dimmu Borgir, "Death Cult Armageddon". С него начался подход к оформлению пластинок в холодных синих и серых цветах, который по сей день используется в стилистике альбомных рисунков, концертов, одежд группы.
Альбом открывает симфоническое интро в составе "Allegiance", смешанное со скрежетом открывающейся червоточины, которую Joachim Luetke сделал одним из символов арт-концепта диска, и которую потом в клипе PotGA изобразили. И спустя 1:20 с начала трека, Dimmu Borgir обрушивают свой мощный водопад ритм-секции под предводительством Nicholas Barker'a, чьи бластбиты в те годы считались топовыми.
~~~~~~~~~~
В 2003-2005 годах на МТВ ночью показывали популярную в рок-тусовке передачу. Сначала она называлась «Hard Zone», потом - «Центр риффа». Именно там в 2004 году я увидел клип "Progenies of the Great Apocalypse". И это было, конечно, вау! Первая блэк (пусть и симфо) композиция, непривычная, но мощнейшая мелодика, вокалы, сценические образы. Графика уже тогда смотрелась не так, чтобы супер, но идея была понятна и красива. Так выбранный Nuclear Blast заглавным трек стал моим проводником в мир black metal. Дальше были и Immortal, и Emperor, и Mayhem, и тракторный завод имени Darkthrone, и много-много других, но воротами в этот жанр для меня стали именно «Потомки Великого Апокалипсиса».
~~~~~~~~~~
Shagrath неоднократно отмечал, что запись с Пражским симфоническим оркестром сопровождалось множеством проблем. Не знаю, были ли это ошибки технического характера, в том числе при сведении, или банальный творческий рассинхрон музыкантов группы и оркестра, но симфонические бэки и правда звучат как будто отдельно, на заднем фоне. И это, как говорится, не баг, а фича - такое звучание создаёт "киношный" эффект, когда основные рассказчики Dimmu Borgir дарят нам историю, а оркестровые аранжировки создают для неё величественный фон.
Ещё помню множество претензий к самому Shagrath'у - мол, голос ослаб, вытягивать связками, как раньше, не может, поэтому использует разные компьютерные примочки. Сомневаюсь, было ли так в 2003, учитывая, что это студийная работа, полагаю, идея была всё же не скрыть недостатки вокала, а различными синтетическими элементами дополнительно акцентировать атмосферу киберпанкового конца света.
А ещё интересна идея с приглашением Abbath'а на две композиции - его трескучий скрим интересно оттеняет стандартный Shagrath'овский.
~~~~~~~~~~
Когда я купил, принёс домой пухленькую коробку с диском (буклет страниц эдак на 20) и запустил альбом, мне он сначала не заходил, вроде и помпезно и эпично, но как-то не то... Пока я не дошёл до "Allehelgens død i Helveds rike", последней песни группы на норвежском языке. Несмотря на то, что лирика повествует всё про то же - про ад, неповиновение божественным началам и тому подобное, ассоциацию она рождают другую: корабль викингов, несущийся сквозь бурю океана к своей погибели. И вот, в середине мягкий баритон ICS Vortex'а вспыхивает ярким образом на горизонте, что все моряки попадут в так любимую ими Вальгаллу, ну а дальше... Дальше стена бластбита под скрим Shagrath'а и эпичное полотно оркестра разобьёт корабль со всеми его обитателями вдребезги. Ух! И снова обратно, из древнего мира викингов в мир постиндустриального апокалипсиса.
~~~~~~~~~~
Всего альбом длится больше часа, и с первой попытки им проникнутся не так-то просто. Но он содержит цельную атмосферу, он второй и последний диск от того профессиональнейшего состава, он напичкан различной мелодикой, и потому раз за разом на протяжении 20 лет прослушивается меломанами. Вряд ли у кого-то "Death Cult Armageddon" считается номером один в дискографии Dimmu Borgir, но также ни у кого не слышал его характеристику как худшего. Крепкий, интересный альбом, который можно порекомендовать как любителям жанра, так и тем, кто только готовится познать sympho black metal.

P. S. Помню, его выход в последний раз всколыхнул споры об оценке тру/позер в отношении альбомов этого жанра. Понятно, что группа была отнесена к последнему, т. к. "дорого/богато", оркестр, и вообще. Начинали-то все вместе, дружеской группой с Tjodalv'ом на гитаре и Tristan'ом на басу, а теперь набрали профессионалов за деньги. Не тру, в общем.
Как это всегда бывает, в истории остались и тру, и позёры. Люди продолжают слушать и "De Mysteriis Dom Sathanas", и "Death Cult Armageddon". Главное, чтобы музыка цепляла. В 2003 у Dimmu Borgir с этим проблем не было, несмотря на весь имидж.

Zmej Gorynych  15 дек 2023

Когда в начале 80-х прошлого века на туманном Альбионе громко о себе заявили представители так называемой NWOBHM (New Wave of British Heavy Metal), их количество было велико и заряд бодрости, озвученный десятками молодых британских энтузиастов, был настолько силен, что породил несколько разной степени успешности групп, как то: Iron Maiden, Saxon, Venom, Raven. Сразу вынужден сообщить, что ни Motorhead, ни Judas Priest к данному движению не относятся. Те, кто в теме, об этом прекрасно осведомлены. Кроме немногих успешных участников британской металлической движухи тех лет, перечисленных выше, ещё не более десятка команд запомнились слушателям своими работами - например, Diamond Head, Girlschool, Praying Mantis, Samson, Satan, Tygers of Pan Tang и прочая. У каждого металлиста со стажем имеет быть свой список предпочтений. В этой когорте молодого островного английского металла были и интересные, достойные коллективы, которые даже не смогли выпустить ни одного полноформатного альбома, но при этом всё равно оставили ощутимый след в душе своих поклонников.
С 1982 по 1987 года в Англии существовал коллектив с банальным названием Hell. Если верить информации с сайта Metal Archives, образован он был в г. Ноттингэм. За время своего существования команда выпустила несколько демо и один двухпесенный сингл 1983 года «Save Us from Those Who Would Save Us». Я, в середине 80-х проживая в Риге, об этой группе совершенно ничего не слышал, как, впрочем, и о большинстве не добившихся широкого успеха участников Новой волны.
В 2012 году, через двадцать пять лет после завершения первого периода творчества британского коллектива (вокалист оригинального состава David Halliday совершил суицид 29 января 1987 года), друзья подкинули мне для ознакомления актуальный свежий альбом Hell под названием «Human Remains», записанный и изданный в 2011 году. Я был приятно удивлен качеством и разнообразием представленного материла. Скажем так – зело приятственно! Далее мне стало интересно, что это за «зверь».
В процессе многочисленных поисков во всемирной паутине я установил, что этот альбом 2011 года есть несколько необычное явление, когда группа из середины 80-х возрождается и выпускает свой старый материал, до этого доступный лишь на различных демо тех лет. Весьма немаловажной причиной для данного возрождения стал тот факт, что одним из главных движителей этого действа стал господин Энди Снип, участник британской трэш-команды Sabbat и небезызвестный продюсер, музыкант, гитарист и звукорежиссер, связанный с работами Judas Priest, Accept, Blaze Bayley, Saxon, Оpeth, Arch Enemy, Exodus, Megadeth, Krеаtоr, Nevermore, Testament, Carcass, Fear Factory, Overkill и многими другими. Снипа учил играть на гитаре покойный вокалист Hell - David Halliday. Творчество Hell и общение с Дэйвом Холлидеем настолько сильно повлияло на Энди, что он, как истинный фанат группы, при первой возможности решил приложить максимум своих возможностей для полноценного выпуска старых демо-композиций.
Что получилось в итоге? Замечательный разнообразный альбом, где нет ни одной повторяющейся песни. Отличный звук, как по мне, наиболее подходящий для групп подобного стиля - в меру басистый, с четкой серединой и верхами. Без тупой компрессии. Цепкие, хорошо читаемые мелодии. Непростая структура отдельных композиций. Общее ощущение театральности слушаемого действа за счет грамотного использования сэмплов и возможностей нового вокалиста Дэвида «Бекфорд» Бауэра, брата оригинального гитариста/клавишника группы Кева Бауэра. Дэвид имеет за своими плечами актерскую школу и это чувствуется там, где он начинает использовать наработанные возможности театрального актера. Атмосферность вплетена в канву пластинки весьма органично и толково, это тот случай, когда всё к месту… на мой взгляд.
Калейдоскоп композиций на «Human Remains» длиной в 66 минут позволяет нам ощутить и энергетику простых зажигательных хэви-металлических риффов, и непростую вязь околопрогрессивных решений в аранжировках, и атмосферность различных звуковых вставок (будь то плач новорождённого ребенка или смех ехидных злобных старушек), и оркестровые вступления или трэшевые сбивки в отдельных песнях. Всё это вместе - просто великолепная, разноплановая музыка начала 80-х, сыгранная и записанная по канонам 2010-х.
В итоге скажу так: данная пластинка есть одна из немногих реинкарнаций неизданного металлического прошлого, которая, может быть, и не является общемировым шедевром, но однозначно хороша и достойна как добротная работа талантливых музыкантов.

Volot  15 дек 2023

Рассматриваемый здесь альбом является третьим студийным LP замечательного канадского коллектива Sacrifice. На тот момент группа была относительно известна на североамериканском континенте среди любителей thrash metal и с выходом «Soldiers of Misfortune» вошла в так называемую «большую четверку» канадского трэша, наряду с Voivod, Razor и Annihilator. Два предыдущих альбома отличались мощной, напористой энергетикой, сыроватым звучанием (особенно дебют «Torment in Fire» (1986)) и большой долей агрессии. Актуальный материал, на мой взгляд, выглядит попыткой ответить технически великолепным работам Metallica, Testament и Megadeth конца 80-х. Как мне думается, у группы получилось. На выходе имеем пластинку, которая может потягаться с самыми лучшими творениями корифеев жанра, кроме одного фактора, его я обозначу в конце обзора.
Данный лонгплэй вам не успеет надоесть, суммарный объём звучания около 40 минут. Семь песен в районе четырех минут и одна десятиминутная монументальная композиция «Truth (After the Rain)».
Темп постоянно меняется, как по классическим канонам thrash metal – сбивки ритма. При этом ощущения хаотичности нет, все композиции четко структурированы и гармоничны.
Вокалист Роб Урбинати выкрикивает свои «ядовитые» фразы в манере фронтмэнов немецкой разновидности трэша. У меня при прослушивании «Soldiers of Misfortune» навязчиво возникает ощущение некоторого созвучия манеры исполнения Роба с вокальным «музицированием» покойного Чака Шульдинера. Хотя это может быть всего лишь домысливанием того факта, что лидер Death уважительно относился к творчеству Sacrifice.
Немаловажное свойство этой работы заключается в своеобразной «холодновато сухой» атмосфере всего альбома. Песни звучат в одном общем ключе, при этом не теряя индивидуальности и разнообразия в аранжировках.
Если разбираться в хитросплетениях организации композиций, как я вижу, тут имеет место быть чисто риффовый трэш, где вокал успешно поспевает за отличными риффами гитаристов. Первоклассная ритмичность песен достигается также за счет мастерской работы ритм-секции. Игра на барабанах просто великолепна. Бас хорош, но в миксе очень часто сливается с ударными, даже несмотря на весьма качественную запись.
Уровень соло здесь может посоперничать практически со всеми основными героями трэша того времени, за исключением, пожалуй, отдельных работ Марти Фридмана и Алекса Сколника.
Когда я первый раз слушал эту пластинку, мое внимание сразу же сосредоточилось на вступлении к заглавной песне «Soldiers of Misfortune» (зря её поставили второй по списку, ИМХО), где опытному слушателю с первых нот показывают, что здесь представлен солидный и грамотный трэш высшей пробы.
После всех дифирамбов, озвученных выше, возникает вопрос об отсутствии у Sacrifice широкой популярности в среде металхэдов. С моей точки зрения, музыкантам всего-навсего не хватило пары-тройки хитов, таких, где зрителям можно было бы подпевать припев или какие-то удачные фразы из куплетов.
Материал пластинки хорошо слушается целиком и без перерывов, именно тогда раскрывается его технически выверенная мощь, изысканность аранжировок и красота суровых мелодий.
В какой-то мере этот альбом можно считать итоговой квинтэссенцией североамериканского умного трэша конца 80-х.

Volot  11 дек 2023

Возвращение Pestilence после 13 лет покоя выразилось в несколько спорном, неожиданном в стилистическом плане и не в меру тяжёлом "Resurrection Macabre". Затем последовала череда не менее неоднозначных релизов - по сути, нестабильность коллектива выражалась и в материале, и в составе, и в факте временного распада в 2014-2016 годах. Нестабильность не оставила и третье пришествие - "Hadeon" от нидерландской группы, состоявшей из итальянца, венесуэльца и двух турок, был многими охаян, а затем последовали скандалы с позицией Патрицио Мамели по Ковиду и фанатскому творчеству по типу каверов и личных топ-5. В 2021 году на польском лейбле Agonia Records вышел очередной студийник - "Exitivm". Посмотрим, удалось ли группе исправить ошибки предыдущего, слишком тупорылого, "чугунного" альбома.

Первое, что заметно - названия песен все на латинском - и все с v-фицированной "U" - фишка, подобранная с первых двух полноформатников. Видимо, Мамели стремится привязать новинку к уже классическим альбомам. Но в целом получается не очень. Новый, уже целиком нидерландский, состав не показывает себя как-либо особенно. Барабанщик Михиель ван дер Плихт звучит послабее своих предшественников, а вот в тоне второй гитары наметились изменения в лучшую сторону. Бас Юста ван дер Графа смиренно выполняет работу, и это ставит данную пластинку в более выгодное положение по сравнению с "Doctrine", где Йерун Паул Тесселинг со своей безладовой концертиной вообще не смотрелся. Но вот что пришло негативного - так это вокал. Мамели снова сделал перетасовку и запел своим фирменным скримингом, сильно напоминающим такой же на богомерзком "Spheres". Оттуда же и несутся корни всех по сто раз погнутых и загнутых, практически непереваримых, а оттого слюнявых соло, которых Патрицио напихал от души в более извращённом виде ещё больше, чем на предшественнике. Во многом эти соляки очень портят большое количество песен - а стоит отметить, многие начинаются весьма интересно - например, "Internicionem", но в итоге прозябают в болоте последующих набивших оскомину структур и центроцентричном, гитарнократичном звуке, который, хоть и улучшился по сравнению с "Hadeon", чьё звучание только усиливало отмирание нервных клеток, но всё же до высокого уровня не дотягивает. И длятся эти песни недолго - едва ли больше трёх с половиной минут - видимо, сам Патрицио осознаёт, что с таким арсеналом приёмов создать интересный продукт на пять минут, как это ещё удавалось в "Testimony", чья шаткость тогда - сейчас эталон стабильности Чумы - лишь грёзы. Из действительно понравившихся хоть каким-то образом треков тут у меня только "Morbvs Propagationem" и "Sempiternvs". А вот "Mortifervm" и "Pericvlvm Externvm" явно являются наиболее слабыми местами альбома.

Вердикт: пожирать кактус в очередной космической, сильно оторванной как от музыкального, так и от лирического содержания, обёртке стало чуть легче, но всё ещё с нулевым насыщением. Радует хотя бы то, что порции стали небольшими. Боль хоть и пытаются залить клавишным соусом, но теперь уже не ясно, от кактуса ли или от соуса тебя больше воротит. Остаётся лишь ждать "Portals" и смотреть, есть ли ещё варианты свернуть с дороги, на ухабах которой Pestilence во всех смыслах отбивает себе органы.

IJzerklompje   9 дек 2023

Металл активно развивался в течение четверти века и у многих возникало ощущение, что видимые пути линейного развития уже исчерпаны, теперь же пора искать кривые дорожки. Одной из таких нонконформистских групп стала норвежская команда Albino Slug. Для своей революции они не видели границ между жанрами и какой-то конкретный уклон уследить тут тяжело. Но в основном заметны влияния гранжа, классического дума и стоунера. Нету здесь ни экстремальных, ни викинговых влияний. Блюдо фактурное, плохо поддающееся простому описанию.

Разных кусков, надломов, прививок здесь навалено на любой вкус. К примеру, вполне годный трек "Thorbud" - здесь и полиритмические моменты, и маленький аккомпанемент на Хаммонде, и раздвоенная система изложения (монотонный нокофф Джаггера и более бодрый нокофф Стейли). Гитарная работа имеет сниженный строй, в моментах имеет уместный скрипучий звук, но и в изувеченных ломаных ритмах выходит весьма удобоваримый результат. Барабаны Мортена Фэгервика не выделяются на фоне безумия, оставаясь "островком безопасности" для слушателя. Однако если слушатель куда уж и подался, то лучше и забаррикадироваться там, так как градус безумия спадать не намерен. К примеру, взять "Du må ikke sove"´- пьеса, наложенная на стих известного норвежского писателя Арнульфа Эверланна, ко второй половине переходящая в электронно-гитарное шаловство под аккомпанемент семплированного клавесина. Хаосом являются две последующие композиции - солянка из семплов "Bring Water / Skinner Boxed", явная насмешка над блэком, смешанная с куплетами абстрактного развесёлого биг-бэнда в "Vaffel" (для неё сняли прикольный самопальный клип). Матс Ивар Такле здесь отрывается так, словно в последний раз. Именно за эти эксперименты стоит присмотреться к середине альбома повнимательнее. А вот 19-минутный "Paradise Regained" (тонко, тонко), в отличие от ожидаемой квинтэссенции музыкального наполнения, ничего, кроме откровеннейшей скуки, не вызывает. Баззер, семплы разной степени надоедливости, обычные 3/4 на барабанах - то, что вас ждёт на протяжении практически всего трека. Подобное, увы, абсолютно не для меня. Конец выходит анти-климатический.

И что же в сухом остатке? На первых 6 треках мы получаем крайне самодостаточную и достойную похвалы дозу музыкального гедонизма, которая оставляет отчётливые и далеко не негативные впечатления. Но вот если 25 минут - слишком большой отрезок времени, которым вы готовы жертвовать, последние 2 композиции можете смело пропускать. Или сразу переходить к EP "Barabbas" - там группа подправила недочёты, сделав затяжной опус более наполненным хоть каким-то смыслом.

IJzerklompje   8 дек 2023

Второй альбом британских трэшеров Xentrix, причем у меня в распоряжении японское переиздание, ибо бонус-трэком здесь пущен "Ghost Busters" (Ray Parker Jr. Cover), вышедший чуть ранее на ЕР.
Xentrix играют рафинированный британский трэш, в котором все партии и паузы высчитаны до копейки. И собственно - техничное гитарное исполнение Kristian Havard'a очень много значило для процесса становления команды. Кристиан на альбоме весьма представителен и изыскан, у него масса идей и приемчиков, и главное - они нравятся публике.
Xentrix всегда были в гуще концертной деятельности, потому-то, собственно, и были замечены английским отделом Roadrunner Records. И кстати, продолжая тему, ПОСЛЕ ПЕРВОГО АЛЬБОМА они в 1990 году бросились в очередное турне по Великобритании - но уже ХЭДЛАЙНЕРАМИ.
Продюсер John Cuniberti делал этот диск (как и первый), и он нарулил весь этот четкий замах и забой. Всё записано предельно аккуратно и с британской скрупулезностью, а Кристиан как мог облагородил это изделие своей импозантной гитарной работой. Он постоянно вводит в свои партии совсем не металлические куски (отчего некоторые рецензенты говорят о прог-треше), на диске даже есть интермедия "New Beginnings", сыгранная на акустической гитаре. Ну вот зачем она? "А надо!" (с)
Потому что после нее боевик "Desperate Remedies" смотрится ещё круче, во всяком случае поначалу!
Ещё один забойный и захватывающий трэк - это "Black Embrace".
Необходимо сказать, что вокалист (и ритм-гитарист) Chris Astley не принадлежит к первой десятке трэш-вокалистов, но он нисколько не комплексует. Это трэш, а не рок-опера, он знает, как петь в трэшевом ключе, дабы толпа подпевала на концертных площадках. А что ещё надо?
Кстати, на оригинальном диске есть и без всякого "Ghost Busters" кавер на Gillan - "Running White Faced City Boy". На великих и надо делать каверы, тянуться и поднимать собственную планку.
Фильм "Ghostbusters" был кассовым, песня из него, в исполнении Ray Parker Jr., пробила хит-парады, а кавер в металлическом плане - успех для Xentrix (хоть и возмутил некоторых тру-металхэдов). Группа выпустила ЕР с этой нетленкой, и понятное дело, не могла не стебануться. К финалу песня убыстряется, заставляя меломанов бежать к своему виниловому проигрывателю, смотреть с какого… скорость вдруг выросла вдвое.

resurgamresponses   8 дек 2023

В рецензии на саббатовский "Born Again" я упоминал пресловутый «синдром утенка». Который существует, но совершенно не всемогущ.
Однако относительно «Баланса» я предвзят и горжусь этим. Когда-то кассета с этими песнями (уже не переписанная на деке, а типа «фирмовая» с обложкой на лицевой стороне и текстами на развороте!) поселилась в моем магнитофоне. И жила там, да не просто жила, а играла иной раз по нескольку дней подряд, и так пока не утратила рабочие свойства. В качестве носителя её успешно заменил компакт.
Опять же, юный возраст (кассетой я разжился в том самом 1995, в свои 15 лет…) мне сам по себе не кажется причиной такой любви в этому альбому. Мало ли что доводилось слушать в отрочестве, что не сохранилось в памяти и не окрасилось даже какими-то ностальгическими красками.
Наряду с "Sea of Light", прекрасным камбэком Uriah Heep, ванхаленовский "Balance", по моему субъективному мнению, входит в шорт-лист лучших альбомов классического хард-рока, выпущенных в девяностые годы.
Во время повальной гранжевой моды Эдди и компания выпустили диск, расположившийся вне времени. Нет, в здешних песнях отчетливо слышно, что записаны они не десятью годами раньше. По счастью, Van Halen отказались не только от аляповатой моды «времен блестящей кожи». Ну да, маечки с бахромой и лосины сменились нарочито растянутыми свитерами, а волос на головах музыкантов осталось ровно столько, чтобы обозначить, что перед публикой личности творческие, а не слесаря. Только это не главное. Главное, что они ушли от специфического клавишного саунда, от ориентированного на дешевые радиоприемники сведения и общей синтетичности химзавивочной эпохи.
Перед нами могучий, по-другому не скажешь, хард, к которому не применимы дефиниции типа «мелодичный», «блюзовый» или «прогрессивный». Всё это в музыке VH, конечно, присутствует. Как и многое другое. Влияние легендарных британцев Led Zeppelin, которые когда-то были любимой группой Эдди, здесь едва ли не впервые по-настоящему слышно. Невеселые, тягучие, интровертные номера, построенные на основе белого блюза - кто приходит на ум? Но Хэгар настолько не Плант, что эти соображения всплывают далеко не сразу. Всё-таки вокалист это лицо группы, даже если её лидер совсем другой участник.
Работе над альбомом предшествовало важное событие в жизни Эдди. С отрочества ведший вполне "рок-н-ролльный" образ жизни в стиле Лемми, Эдди решил всё-таки завязать. Как и все его коллеги в этой ситуации, он переживал на счет того, будет ли трезвый в состоянии творить на прежнем уровне. Практика показала, что трезвый Эдди Ван Хален не уступает себе пьяному.
Но хотя сама по себе трезвость полезна для здоровья, для психики алкоголика это тяжкое испытание. Собственно, срываться Эдди будет неоднократно. Трезвый Эдди Ван Хален был мрачен, зол и вообще не в своей тарелке. И создавался "Balance" в раздрае, в постоянных конфликтах между братьями Ван Хален и Хэгаром. Алекс хотя и завязал с веществами на десятилетие раньше, тоже был не в форме - у него были проблемы со слухом, он боялся вообще остаться вне игры. Где-то здесь, наверное, и залегла трещина между основателями коллектива и харизматичным певцом, который всегда был немного "приглашенной звездой". (Впрочем, последним в составе Van Halen альбом "Balance" оказался не только для амбициозного Сэмми, но и для всегда державшегося в тени басиста Майкла Энтони.)
Быть может, душевное состояние и не лучшая обстановка в группе повлияли на материал. Потому что "Balance", при всей своей энергетике, абсолютно лишен развлекательности и "угара", выдержан преимущественно в медленном темпе и минорном ключе. Несомненно, перед нами самый мрачный, атмосферный и задумчивый альбом Van Halen.
Хэгар, которому и тогда уже было под пятьдесят, предстает в великолепной вокальной форме. Его выразительный голос, способный и на околометаллические вопли-визги, и на лирические песнопения, и на блюзовую песочную хрипотцу, такое же оружие группы, как мастерство инструменталистов. Диск прекрасно записан. Про гитары все всё знают. Но и барабаны, роль которых казуальному слушателю часто вообще не очевидна, звучат так, что даже не имеющий отношения к искусству двух палочек слушатель вроде меня не просто слышит их, но и обращает внимание на ударные партии!
Стартует "Balance" с размашистой, украшенной грозными хоровыми запевами в исполнении неких The Monks of Gyuto Tantric University, и как всегда, превосходной гитарной работой лидера группы, композиции "The Seventh Seal".
Следом идет чуть расслабленная, задушевная "Сan’t Stop Lovin' You", посвященная вечной теме баллад – расставанию. Правда, в основе не просто лирический штамп, а реальная история развода, который тогда переживал вокалист. Это стопроцентный радио-хит, пригодный и для махания зажигалками в толпе, и для «наиграть на гитарке у костра». Продюсер альбома Брюс Фэйрбирн требовал от мастермайнда группы попсово звучащую песню, и Эдди справился с заданием, но талант и чувство меры не дали создать некий сладенький сироп. В конечном итоге Фэйрбирн был прав, "Сan’t Stop Lovin' You" стала последней композицией Van Halen, попавшей в общенациональный Top-30.
Коммерческий успех не всегда говорит о качестве музыки, но о любви публики говорит красноречиво. Хоть песенный хит был лишь один, сам альбом возглавил американский хит-парад и успешно продался в количестве трех миллионов экземпляров.
К балладам можно отнести идущую следом "Don't Tell Me (What Love Can Do)", но это песня много более тяжеловесная и мрачная.
Посвященный родному для братьев Ван Хален городу "Amsterdam" – мощный номер, выдержанный в среднем темпе.
Далее идет разогнанный и утяжеленный до металлических кондиций «традиционный рок-н-ролл» "Big Fat Money", под который можно уже, наконец-то, и потрястись.
Короткий атмосферный инструментал "Strung Out" плавно переходит в балладную "Not Enough".
Следом идет более угрюмая и боевая "Aftershock".
После чего начинается связка из двух инструменталов - не самое очевидное решение для хард-рокового альбома в 1995 году, но у Ван Халена получилось. Если "Doin' Time" представляет, по сути, барабанное соло, то композиция с неудобопроизносимым названием "Baluchitherium" построена на роскошных гитарных соло лидера группы. Роль Эдди как гитарного гуру, открывшего новые горизонты для последующих поколений гитаристов, пусть будет уделом обсуждений в среде музыкантов. Фанату "с улицы" важнее, что его соляки не представляют тут "технику ради техники", а именно ведут выразительные мелодии.
"Take Me Back (Deja Vu)" - вновь медленная вещь с вокалом, и вновь пение Сэмми очень выразительно и прочувствованно.
Под занавес идет "Feelin", шести-с-лишним-минутный атмосферный номер, представляющий собой разросшийся до размеров эпоса блюз, явно вдохновленный Led Zeppelin.
Осталось лишь с грустью добавить, что несмотря на творческую состоятельность и грандиозный финансовый успех, "Balance" оказался последней работой для состава Ван Халены-Хэгар-Энтони. Ну что ж, уходить надо на высокой ноте.
Лучший ли это альбом Van Halen?
С моей точки зрения - да.

Mike Barlow   8 дек 2023

Thee Plague of Gentlemen (Чума господ) - бельгийская сладж-дум-метал команда, которая поистине считается одним из самых тяжелых по звучанию коллективов в стилистике, и по совместительству обладает статусом самой скандальной группы как минимум на региональной сцене. Громогласное обвинение вокалиста Thee Plague в непристойном поведении в отношении несовершеннолетних и последующее заточение его под стражу с вынесением приговора, принуждающего к строгому отбыванию реального срока, безусловно и закономерно сыграло фатальную роль для этой музыкальной формации. Издающий музыкальный лейбл тут же прекратил распространение данного альбома, снабдив это дополнительным пожеланием "гнить в тюрьме", что выглядело весьма символичным жестом для конторы, которая носит название I Hate Records. А коллеги по цеху и вовсе открестились от скандальной ситуации, что вылилось в слишком показательное поведение, а именно - полный "ребрендинг" коллектива, где название группы заменили на Serpentcult, а справедливо подвергшемуся остракизму вокалисту и гитаристу Стиву Макмиллану нашли замену, в лице весьма привлекательной девушки Мишель Нокон. Стоит отметить, что на осколках некогда игравших в Thee Plague of Gentlemen и ушедших (еще до инцидента) музыкантов также была создана весьма неплохая сладж-дум группа Mose, любезно согласившаяся издать свой единственный альбом под знаменами небезызвестного дум-метал лейбла Solitude Prod. В общем, как бы там ни было, но не признать в этом коллективе (включая даже и этого Стива) талантливых музыкантов было бы весьма недальновидно! Это примерно сопоставимо с тем, как плеваться и воротить нос от великих полотен Караваджо, зная всю гнилостную подноготную жизни этого гениального художника. Стоит признать, что данный альбом, без ложной скромности, можно отнести к одному из самых мощных творений на ниве экстремального дум-метала, его с легкостью можно поставить в один ряд с самыми тяжелыми работами таких мастодонтов, как Electric Wizard, Warhorse, Cathedral, Winter...

Впитав в себя не только часть наследия от маститых представителей традиционного дума и сладж-метала, музыканты Thee Plague of Gentlemen совсем неслабо так вдохновились наработками Celtic Frost, Godflesh и Melvins, выдав на своем единственном полноформатном альбоме "Primula Pestis" переосмысленный вариант всех вышеперечисленных влияний с доминирующим проявлением собственного музыкального мышления. Объемный, одновременно сырой и плотный гитарный звук, наруленный звукоинженером Крисом Кроули, достоин высшей похвалы, он идеально компонуется с вокалом Стива Макмиллана, и вкупе они в совершенстве отражают всю ту оккультно-мизантропическую атмосферу, изначально и задуманную создателями этого мрачного аудиоматериала. К тому же Стив уверенно управляет своими голосовыми связками, исполняя материал присущим ему хриплым вокалом, в диапазонах начиная от ненапряжного штробаса, и заканчивая экстремально-изуверским горловым расщеплением. Под стать фронтмену и с полной отдачей к этой записи подошли и остальные музыканты, в профессионализме которых явно сомневаться не приходиться. Плотная, слегка разряженная ритм-секция превосходно сочетается с ярко выраженной гитарной атакой и партиями, которые варьируются от драйвово-среднетемповых проигрышей до каноничных и свойственных жанру медленных мелодий. Отличная студийная работа и ответственная деятельность звукорежиссера превратили этот альбом в весьма серьёзную заявку на звание одного из самых лучших образчиков жанра сладж-дум, причем касаемо всех аспектов - начиная от продакшена и звукозаписи, и заканчивая, что называется, "полетом творческой мысли".

Данная пластинка способна не только полностью удовлетворить аудио-потребности практически любого меломана от тяжелой музыки - будь то матерый любитель сладжа или зеленый неофит. Альбом стойко выдерживает проверку временем, а также начисто лишен каких-либо серьезных недостатков и костылей. Кроме, конечно, одного - того самого, весьма неоднозначного скандального инцидента с вокалистом, который, разумеется, можно трактовать по-разному... но не признать факта, что всё, что создают талантливые безумцы, определенно подпадает под категорию гениальности, было бы крайне парадоксально.

Uncle Drown   7 дек 2023

2019 год ознаменовался выходом ещё одного альбома группы из разряда "а я весь в батю". Немцы Evoked, за плечами которых уже была умеренной силы EP-шка, напросились-таки на запись полноценного альбома, который они нарекли "Ravenous Compulsion". "Хищническая компульсия" наряжена в откровенный кровавый наряд по заветам самых храбрых: обглоданный жмурик без следов нетронутой кожи, догнивающий в какой-то кровавой куче. Но помним мудрость: по одёжке встречают, а провожают-таки по уму. Параллель с умом здесь особенно уместна, так как такие альбомы действительно "проверяешь", буквально как эссе по материалу семестра/четверти, и ставишь оценку по уровню усвоения материала.

Сразу стоит отметить, что основных источников вдохновения здесь два - "Mental Funeral" и "Consuming Impulse". От первых здесь загробность, лирическое наполнение и лоботрясные риффы, от вторых чуть более подкрученная вторая половина риффов, вокал - копирка ван Дрюнена и брутально-скоростной темп. Музыка не блещет неслыханностью своих компонентов, но в ряду со своими вдохновителями смотрится гармонично. Звук, как самих гитар, так и ритм-секции, конечно, тут старались максимально подвести под олдскул - например, по образцу того же "Консуминга", накидали побольше реверба в вокал, чтобы звучало, как из-под глухой темницы. И в целом это им удалось - ощущается фирменное наполнение Харриса Джонса, чуть более осовремененное и чуть почище. За вокальные и гитарные дела отвечает некий Bonesaw (ещё один след влияния Аутопси), и касаемо гитарных дел к нему вопросов мало. Разве что смущает какой-то бестолковый "мелодичный" перебор на титульной песне. Вокал же товарища поразил невероятной схожестью с ван Дрюненом - на первых минутах мне было сложно поверить, что это не он. Продолжая разбирать участников (почему-то анонимных), заметим барабанщика Artilleratör'a - у него весьма олдскульная манера игры - эдакий Пит Сандовал, но без обилия бластовых участков и надругательств над бас-бочкой. Бас Accuser'a вполне удачно компенсирует отсутствие второй гитары. Из треков я отмечу резвый боевик "The Trophy", и в особенности эти две песни: затяжелённую, встряхивающую "Festering Alive", и хит "Not of Human Flesh".

В итоге у нас на руках вполне достойный подражатель классике, у некоторых способный разбудить мозг, отправляя его на поиск старых воспоминаний о седых годах угара и смерто-метала, а некоторых - забросить диск в топку за сам факт его существования. Но как по мне, в рамках "нового-старого дэта" альбом вышел более чем добротный. Ставлю зачёт.

IJzerklompje   7 дек 2023

Нечасто в истории рок-музыки бывало так, когда отдельно взятая рок-команда от начала и до конца неуклонно придерживалась какого-то одного, изначально выбранного направления, сочиняла и исполняла одну и ту же (или очень близкую) музыку. Достаточно редко, но нечто такое случалось. Хотя, пожалуй, это правило в большей степени применимо к коллективам более современным, или к тем, кто успел заявить о себе по крайней мере в последние 20-25 лет.
Во времена давно минувшие подобных метаморфоз не избежали едва ли не все известные теперь нам исполнители нелёгкой музыки. Если не брать в расчёт "битлов". Или, скажем, "роллингов", которые в этом плане, надо полагать, тоже через это прошли, но с учётом их невероятного долголетия, об этом мало кто помнит.

Американцы из Styx обошлись малой кровью. Попробовав себя в аутентичном арт-роке, парни этой группировки сдвинулись в прог-рок, к которому под влиянием внешних факторов слегка подмешали необходимую толику попсы. Этим, собственно, и довольствовались до распада в 1984 году.

А начинали они ещё во второй половине 60-х годов как полупрофессиональная команда, выступавшая в основном на шумных свадьбах и пафосных днях рождения. Однако только после релиза своего дебютного LP, в основе своей состоящего из каверов не слишком известных авторов (George S. Clinton, Lewis Mark, Paul Frank, Mark Goddis), музыканты Styx решились (не без подачи продюсеров, само собой) на запись собственных наработок. Больше других за это бился пианист и вокалист Деннис ДеЯнг. Авторскую песню "Lady", посвящённую своей жене Сюзанне, он придумал ещё для дебютного диска группы, но тогда продюсеры не одобрили творческий порыв Денниса. Номер был слегка переделан и подготовлен для программы "Styx II". А осенью того же 1973 года эта песня вышла отдельным синглом, но в обоих случаях без ощутимого успеха. И только в 1975 году (уже после релиза их четвёртого полноформатного LP "Man Of Miracles") случилось так, что Styx оказались на известной радиостанции WLS в Чикаго, где и исполнили "Lady" под запись вживую в прямом эфире. И песня зазвучала. Сначала на радиостанциях Чикаго, затем в пределах штата Иллинойс, а вскоре и по всей Америке.
После такой неожиданной раскрутки ещё в том же году "Lady" добралась до приличного 6-го места престижного чарта Pop Singles, чем неизбежно подогрела интерес и к самому альбому "Styx II", о котором уже почти забыли.

Первый тираж этой пластинки был подготовлен и выпущен лейблом Wooden Nickel, одним из совладельцев которого являлся Билл Траут, один из двух продюсеров альбома. В числе учредителей той компании, в частности, был и известный в те времена кинопродюсер Джерри Вайнтрауб. В 1971 году Wooden Nickel была создана на базе Dunwich Records и клиентами этой конторы в основном являлись малоизвестные исполнители разных жанров из Чикаго и прилегающих к Иллинойсу штатов.
Забегая немного вперёд, отмечу, что группа Styx стала самым известным коллективом из когда-либо привязанных к Wooden Nickel. Именно на Styx и была сделана ставка лейбла (иначе говоря, Билла Траута), пока в 1975 году группа, осмелев, не переметнулась под крыло более статусной компании A&M Records. А что могло стать причиной разрыва, думаю, не стόит долго пояснять. Деньги. Во все времена в Штатах это являлось самым весомым аргументом.
Оказавшись на попечительстве A&M Rec. Styx начали продюсировать свои альбомы (первым был "Equinox") самостоятельно. Вплоть до 1984 года.

Итак, после прохладного приёма американской общественностью своего первого диска 72-го года, музыканты группы убедили продюсеров предоставить им больше свободы в работе над следующим. Особых возражений, собственно, не последовало, а уж как этой свободой они смогли распорядиться, следует, наверное, судить по содержанию самого альбома и тем скупым сведениям по текущим рейтингам 1973 года, что дошли до наших дней. Вот с этим было довольно скромно, хотя отзывы в разного рода публикациях по большей части оказались весьма благоприятными. Где-то даже было отмечено, что "Styx II" стал заметным прорывом группы.

Больше всех бившийся за свободу действий Деннис ДеЯнг взвалил на себя функции основного саундмейкера и автора текстов. Впрочем, если результаты тех его усилий сопоставить с его же более поздними достижениями, то получается, что как композитор и поэт Деннис был в самом начале своего пути. Серьёзных нареканий не может быть разве что к "Lady". Для него это было уже немало и к тому же, представление, в каком направлении ДеЯнг будет прогрессировать, уже отчасти обозначилось.

Идею доработать "Lady" Деннису подкинул Б. Траут с расчётом этим номером усилить новый альбом и тем самым достичь коммерческого успеха. Продюсер внушил Д. ДеЯнгу, что песня должна первым делом понравиться девочкам-тинейджеркам.
В некотором роде "Lady" и стала той прото-балладой, на основе которой и будет запущен целый ряд подобных клонов в последующих пластинках группы. Одним словом, "Lady" - это программная вещь, которую могли бы сочинить, допустим, Elton John и Uriah Heep, задайся они такой целью. За них это сделали парни из Styx.

А вот в рядах группы окончательная версия "Lady" понравилась не всем, что стало одной из причин будущих разногласий в составе. Да и взыскательной публикой США песня поначалу была встречена насторожённо. В группе же среди особо недовольных был ныне покойный Джон Курулевски (напомню, он умер ещё в 1988 году в возрасте 37 лет). Надо признать, что у этого гитариста подчас появлялись вполне себе достойные мысли и собственные песни, сочинённые им в гордом одиночестве. Впрочем, подобная практика у американских музыкантов была обычным делом. А "А Day" Джона стала проговой изюминкой "Styx II".
Д. Курулевски был музыкантом в себе и, пожалуй, не совсем соответствовал общим настроениям группы. Даже его вокал, трепетный и сентиментальный, являлся антиподом восторженно-помпезного пения Денниса ДеЯнга:

"Брожу в одиночестве по саду,
Листья мокры от утренних слёз,
И чей-то шёпот манит меня...
... Луна отражается в лужах,
Образуя для меня образы
Того, что уже было
И того, что ещё будет..."

Этот флегматичный трек в психоделическом рок-оформлении в духе Steve Miller Band - самый продолжительный в программе альбома. И это не укладывалось в рамки радио-ротаций, но вряд ли музыканты (как, надо понимать, и продюсеры) тогда об этом задумывались. Автор "A Day", словно искусный художник-пейзажист, неспешно, мазок за мазком, наносит краски на полотно своего мольберта. Меланхоличная мелодия органично сплетена с сумрачным текстом. Вырисовывается грустная картина сырого ночного сада, по-осеннему холодного, где автору вздумалось прогуляться и поделиться со слушателем своими размышлениями.
Гитарно-органная интерлюдия растягивает звучание этой композиции почти до восьми с половиной минут, что и не позволило ей засветиться в радио-ротациях.

И совсем иное дело с энергичным буги-рок треком "You Better Ask" с элементами поп-джаза. Но и здесь на экваторе этого весёлого номера с сюжетом про легкомысленного искателя сексуальных утех музыканты делают очередную импровизационную вставку:

"... Я привёз её к себе домой и мы играли друг с другом,
С применением постельных забав.
Я и подумать не мог, во что тогда вляпался -
Дьявол завладел моей душой до того, как я это понял.
Через пару недель она мне заявила:
"Скоро ты станешь папочкой, Джонни".
Что это было, если не мошенничество?
Подумал я тогда и огляделся,
Чтобы отыскать ближайшую дыру,
Куда можно было бы забиться..."

На самом финише "You Better Ask" звучит затухающий фрагмент мелодии из "Strangers In The Night", к тому времени ставшей в Америке классикой. Шутка продюсеров, вряд ли что-то ещё, но в ней усматривается определённый смысл: даже в самые горячие моменты не следует забывать о необходимости безопасного секса. Во избежание нежелательных последствий.

А начинается альбом с "You Need Love", своеобразного приветствия от группы, адресованного слушателям в форме восторженного хорала в духе советских ВИА тех же приблизительно времён (как тут не вспомнить лучший наш ансамбль начала 70-х "Весёлые ребята", те тоже часто использовали подобные штуки).
То, что "You Need Love" не более, чем попытка подражать мастерам прогрессивного рока как Нового, так и Старого Света, заметно, что называется, без очков. Эта же песня обозначила и пока ещё существующие у Styx проблемы с аранжировками. Как, собственно, в некоторых случаях и с текстами.

Напускная напыщенность, преобладающая в этой программе, вольно или невольно преобразовывает исполняемую группой музыку. Её, эту музыку, следует квалифицировать, пожалуй, как некое ответвление от канонического звучания прог-рока. И плюсом является то, что всё в ней замешано на хард-роке и отчасти психоделии.
Возвращаясь же к Деннису ДеЯнгу, надо бы, наверное, добавить, что отдельные песни Денниса уже свидетельствуют о его очевидных авторских задатках, а это, по сути, раскрывает и качества лидера. В популярной музыке (в широком её понимании) эти компоненты, как правило, неотделимы. И всё же есть ощущение, что Д. ДеЯнг пока до конца не определился, какому из течений отдать предпочтение, тяжёлому или поп-року. Тут было о чём подумать - у каждого из этих направлений были свои поклонники. И каким-то образом либо за тех, либо за других предстоит борьба. Пока что у Денниса получилось нечто среднее. (Похожая едва ли не под копирку история случится позже и с ведущим гитаристом Kansas Керри Ливгреном).
Не исключено, что это было временное (промежуточное) решение Де Янга, если рассматривать "Styx II" в общем и целом. Об этом же, кстати, свидетельствуют и два последующих лонгплея группы ("The Serpent Is Rising", 1973 г. и "Man Of Miracles", 1974 г.).

Но вот "Little Fugue In G", перетекающая в "Father O.S.A.". Это уже вторая сторона пластинки. И это прог-рок в чистом виде. Пожалуй, даже арт-рок. Подобных экспериментов у Styx мы больше не услышим. Быть может и потому, что по самым разным отзывам далеко не всем слушателям эта связка пришлась по душе.
"Father O.S.A." - серьёзный трек, адресованный реальному католическому священнику Ордена Святого Августина (O.S.A.) из Чикаго. С ним музыканты Styx были в приятельских отношениях. Трек начинается с пассажей Джона Паноццо на барабанах сразу же после того, как угаснет последний аккорд оргáна в "Little Fugue...", а далее под притягательные гитарные риффы Джона Курулевски в дело вступает сладкоголосый Деннис ДеЯнг:

"Отец - ты корабль,
Тот, что никогда не выходил в море.
Ты корабль в бутылке,
За стеклом которой заключён ты и твоя жизнь,
Там ты будешь плавать вечно..."

А далее звучит сентенция, словно бы священник обращается к музыкантам с ответным словом:

"... Парни, пожалуйста, услышьте:
Мужчина должен быть одинок,
Он не может познать радостей мира.
И не пытайтесь увлечь его в этот мир..."

Деннису ДеЯнгу тогда уже было 25 лет. Уже не мальчик, но даже для его возраста подобрать нужные слова и сложить из них правильные фразы нужно было постараться.
Со временем пианист-самоучка Д. ДеЯнг заявит о себе как об одном из заметных рок-клавишников своей страны. Примечательно, что до записи "Lady" он никогда не использовал в работе акустическое пианино, предпочитая электрический инструмент Fender Rhodes c более "плотной" клавиатурой.

На момент выхода "Styx II" эта группа воспринималась не более чем очередным локальным коллективом из категории AOR второго, если не третьего эшелона. Да и почитателей у её музыкантов было - кот наплакал.
Альбом стал для Styx прорывом по многим показателям. Заметный вес приобрёл и сам Деннис ДеЯнг, который в общественном сознании до той поры представлялся как дешёвый театральный актёр.

Наверное, "Styx II" не стал шедевром прог-роковой или прочей музыки, но в нём обозначились те примечательные моменты, что способствовали становлению группы как одного из апологетов стадионного американского рока, на заре которого оказались те пятеро парней из Чикаго.

МихаилБогданов   6 дек 2023

Сильнейший глэм-метал альбом. На этом лонгплее британцы стали отдаляться от звучания британской новой волны в сторону глэма, находящегося на пике популярности в США. Однако Def Leppard не просто стали играть стандартную для жанра музыку, а сформировали свой неповторимый "синтетический" стиль, в котором выдержаны и два последующих их диска.

После записи предыдущего полноформатника "High 'n' Dry", из-за разногласий, связанных с алкоголем, группу покинул гитарист Пит Уиллис. Вместо этого в состав был принят Фил Коллен, и Def Leppard со старым продюсером продолжили работу над новым альбомом.

"Pyromania" отличается от ранних работ большей синтезированностью инструментов, особенно это заметно в барабанных партиях (складывается стойкое впечатление, что их исполняет не барабанщик, а драм-машина). Гитары и бас играют роль подстилки, хотя риффы ещё не тонут в синтезаторных пассажах. На вокал и бэки наложено множество эффектов, из-за чего песни кажутся ещё более синтетическими. Всё это вместе создаёт собственное "деф-леппардовское" звучание.

Альбом представляет собой кладезь хитов - любую песню можно дать послушать незнающему человеку, и он точно скажет, что это хитяра. Гимноподобная "Rock! Rock! (Till You Drop)", балладная "Too Late for Love", несерьёзная "Foolin'" или задорная "Action! Not Words" - каждую вещь здесь можно слушать и слушать, а вместе и так не сильно длинная пластинка (44 минуты) проносится за одно мгновение.

"Pyromania" достиг успеха, разошедшись тиражом в 10 миллионов проданных копий, что, я считаю, вполне заслуженно. Альбом смог сохранить золотую середину между попсовостью материала и роковостью гитарных партий, что позволило снискать успех как у обычных слушателей, так и у более экстремальных. И хотя последующий лонгплей Def Leppard смог превзойти и так баснословный успех этой работы, именно "Pyromania" я буду рекомендовать всем как квинтэссенцию глэм-метала. Ну а в сторону твердолобых "митолиздов" я буду снисходительно улыбаться, пришептывая: "f-f-f-foolin...".

ChatGPT   5 дек 2023

Для меня дебютный ЕР Уводь стал едва ли не главным открытием этого года. По крайней мере, в российском блэк-метале. Пусть и субъективно, но это мой однозначный фаворит уходящего 2023-го. Я считаю, что услышать миниальбом стоило бы большему количеству ценителей блэка, уходящего корнями в атмосферную мелодику скандинавских работ середины 90-х. На удивление, ЕР оказался лишь прологом – на конец года Уводь припасли туза, выкатив уже полноформатный альбом "Пламенем прошлого". Кто-то может возразить, что в мире цифровых технологий вовсе не проблема выпускать блэк-метал альбомы хоть каждый месяц. Да и вообще это никогда не вызывало сложностей у «тру-графоманов». Но учитывая тщательный подход Уводи к созданию своей музыки, в данном случае это не какой-то цифровой пустяк.

Итак, что же нам явлено в пламени прошлого? Прежде всего, как и в рецензии на дебют, я вновь отмечу, что не считаю Уводь атмосферик-блэком. Мне до сих пор непонятно, почему сейчас стремятся всюду прилепить эту этикетку по поводу и без?! «Пламенем прошлого» это гитарный альбом – довольно мелодичный, но сырой блэк-метал, который местами напоминает старые работы Ancient, Gehenna и даже Ulver времён их классической трилогии. Безусловно, всё это атмосферная музыка, но и отнюдь не утопающий в клавишных атмосферик-блэк с текстами по природоведению.

Музыкально «Пламенем прошлого» продолжает идеи дебютного ЕР. Даже обложка и название открывающего трека «Вой III» демонстрируют преемственность. Пусть альбом немного однообразен, но почти все сильные стороны прошлой работы остались на месте: мелодии, чёткие структуры песен, вокал в духе Долгара, Сатира и Ноктюрно Культо. Также в музыке сохранилось и ощущение, которое вызывает ассоциации не с сегодняшним «атмосферик-VK-блэком», а, как я уже говорил, с работами середины 90-х. В то время блэк-метал уже полностью сформировался и осознал себя как оригинальный жанр, пока ещё имея возможность не бросаться в крайности в поиске новых идей.

«Пламенем прошлого» то шагает неспешной размашистой походкой, то летит, оседлав ярящуюся вьюгу бласт-битов. Но даже в этих случаях, благодаря плывущим над бластами тремольным мелодиям, в музыке преобладает скорбное ощущение яростной ностальгии, а не чувство адской гонки. В аранжировках и построении композиций определяющую роль играет мелодическая основа, а не тупо гитарный чёс. Есть идеи, которые не очень-то характерны для блэка. Отдельные проигрыши, солирование и мелодии гармонично расширяют строгую палитру оттенков чёрного. К примеру, «Око» местами напоминает раннюю Katatonia.

Удачным решением для этого альбома стало использование акустической гитары. Мелодии, сыгранные в акустике, умело вписаны в колючий блэковый поток и продолжают основные бм-риффы, привнося в музыку фолковый налет, как в случае «Скальд». В «Скорбном духе» акустическая постлюдия стала подлинным украшением композиции, а «Слёзы ивы» мимолётно напомнили мне вечернее настроение ульверовской классики “Kveldssanger”.

Я с интересом ждал этот альбом, но всё же не могу сказать, что он полностью оправдал мои ожидания. Замысел, как мне кажется, я понял, но вот реализация его подзавалена. Что мне не понравилось, это излишне хаотичный звук, который зашумляет многие интересные моменты. Песок из гитар я бы прибрал. Из-за этого даже соло, которые по идее должны сыграть заметную роль, теряются в миксе и порой приходится приложить усилия, чтобы их расслышать. По этой же причине хуже читаются барабаны, а это напрасно. Слышно, что прописаны они вполне достойно и с правильным звуком, но тоже тонут в миксе. Ну и над «чистым» вокалом стоит ещё поработать, конечно.

С другой стороны, «Пламенем прошлого» показал желание группы двигаться дальше по пути музыкального развития, сохраняя при этом свою суть. Мне по душе такое понимание жанра и музыкальное чувство, которое позволяет дополнять музыку интересными чертами, не нарушая канона. Так что я всё же поставлю этот альбом в свою коллекцию. 6,5 из 10

Alias   5 дек 2023

Группа Ceremony возникла в Северной Голландии на волне интереса местных металлистов к набирающему обороты дэту, и в начале 90-х быстро подобрала темп, издав демо, показывая, что то, куда метит группа - не самый извилистый дэт на брутальных началах. В 1993 году коллектив подписывается на небольшой лейбл Cyber Music, который впоследствии не то чтобы прославится, скорее встанет на пути Phlebotomized. В 1993 году, упаковав инструменты и отправившись во Влардинген на немалоизвестную студию "Het Pand" под руководство Фритса ван Мурика, группа Ceremony выкатила оттуда дебютник.

"Tyranny from Above" начинается мощным риффом под бластинг - заявлять о себе торопятся, но не рано ли кошечка запела? Дальше мы наблюдаем развитие витиеватых риффов в стиле брутального дэт-метала по типу Suffocation или Sinister - та же "Inner Demon" содержит ряд хороших риффов. Содержащиеся тут риффы качают, встряхивают, долбят, порой даже интригуют. Даже в весьма примитивной форме музыки, которую подносит Ceremony, заметно, по крайней мере, старание быть креативными - музыка не вызывает ни тени скуки, кое-где, например на "Solitary World", вышло даже весьма большое количество смен темпа, с клёвой грувовой частью. В "Ceremonial Resurrection" появляется фирменное нидерландское "замедление". В общем, альбом не является однородной звуковой полоской. Но креативность, судя по всему, вся утекла в риффинг Йохана ван де Слёйса. Соло здесь не самые сногсшибательные, в основном в стиле раннего Шульдинера, с частым подыгрыванием тэппингом (даже по звуку порой возникает резкое дежавю). Кроме непосредственно брутальных влияний, здесь хорошо видны прямые влияния Death, в особенности этому критерию отвечает "When Tears Are Falling", с нотками раннего Death и Massacre, и с соляком Петера Верхуфа в стиле поздних техничных работ в неожиданном окончании. Барабаны Патрика ван Гелдера тут вполне самодостаточны, с уклоном в напряженную долбёжку по хорошо заметной в миксе бас-бочке. Вокальные партии Миши Вербома вызывают чувство глубокого удовлетворения, хотя вкрапления скриминговых частей по примеру соседа ван Мастригта вышли не самым лучшим образом. А вот неожиданностью стали фрагменты (не)чистого женского вокала от некой Маргрит Асраи. Видимо, в Нидерландах, как и в России, никогда не было комплексов по включению дам в механизмы экстремального металла, женщины как вокалисты и даже как музыканты там было явление совсем нередкое. В целом звук работы я могу охарактеризовать как достаточно плотный, но напрочь лишённый бас-гитары - в миксе её практически не найти, кроме последнего трека. За это ван Мурику дизреспект. Хотя с гитарами тут всё что надо. Кроме не описанных выше треков, хочется отдельно похвалить "Beyond the Boundaries of This World" - достаточно интересный боевичок - но альбом ровный, все песни в нём не проходные.

В итоге "Tyranny from Above" оставил крайне позитивное впечатление после себя - пластинка не обладает конденсатом инфантильности в своей брутальности, и вызывает вполне нормальный интерес к своему материалу. По личным впечатлениям - работа не на одно и не на два прослушивания. Кому интересно, стоит также ознакомиться и с реюнион-альбомом "Retribution" - однако там явно группа пошла в blackened death.

IJzerklompje   3 дек 2023

Легенда канадского прогрессив-трэша со своим девятым альбомом. Архивисты пишут так: «Ранее трэш, позднее прогрессив». Не согласен - именно на этом альбоме представлен забойнейший, крутейший и провокационный прогрессив-трэш с синтезированными фишками, которые были записаны по особым технологиям.
Канадцы Voivod - это такие трэшеры, про которых слышали практически все трэш-маньяки металхэды, да не все слушали музыку, кто-то послушал и сказал «бэ!». А кто-то включил и просто обалдел, ибо было отчего. Все альбомы, записанные в прошлом тысячелетии, оценены либо очень высоко, либо просто высоко. Так что нужно послушать ранние пластинки и проверить к какой категории вы относитесь.
Ну и чтобы два раза не вставать. Скажу, что прогрессив-трэш у Voivod не натужный, а очень органичный и агрессивный одновременно. Это как будто трэш начал играть Жан-Мишель Жарр, причем адский трэш, а не детский его вариант. Впрочем, зачем нам Жан-Мишель Жарр, когда в группе есть Michel Langevin (Drums, Electronics, Accordion), он-то и занимался электроникой, а вся троица создавала вместе экстремальное, жуткое, технологическое полотно.
Тут еще такая штука, каждый ранний альбом Voivod вообще-то можно назвать гениальным. Но те, кто слушает канадцев регулярно, уже немного привыкли к феномену группы, что не отменяет эффект ШОКА для каждого новичка. И хотя я, конечно, слушал этот альбом не раз, и первые диски неоднократно, но для меня при написании рецензии "Phobos" опять открылся будто с новой стороны.
Час и 6 минут глобального эксперимента, очень круто записанного по меркам Thrash Death-альбома с упомянутыми уже электронными спецэффектами. Они-то, если их послушать отдельно, не ахти какие, собственно говоря, но отдельно их еще никто не догадался слушать - только с Гольфстримом брутального трэша VOIVOD.
Кто кого здесь победил? Трэш-метал или прог-метал? Неизвестно. Просто VOIVOD изобрели свой стиль, в котором они, как рыба в Гольфстриме. Возможно, потому они и гении. Проговые партии - это да! А вот трэш, какой там, не мажорный, случаем? Никак нет, - докладываю. Даже намекаю, что в некоторых особых местах троица доходит вольно или невольно до Thrash Death. Ядовитого и грандиозного одновременно, богатого на внутренние детали и лабиринты музыкального наполнения и чертовороты смыслов.
"21st Century Schizoid Man" (King Crimson cover) - безумный дум-стоунер-трэшевый кавер - подарок каждому любителю Кинга «не совсем нашего» Кримсона. Роскошный, забойный и острый, как полтысячи шизоидных скальпелей, насыпанных в кучу. Сиди, слушай, разбирайся, не порежься. Я же говорю, гении.
Кое-где голос вокалиста и басиста Eric Forrest'а похож на голос Martin E. Ain'a из Celtic Frost.
В буклете написано, что небезызвестный Jason Newsted (Metallica) участвовал в написании кое-какой музыки и лирики, а архивисты сообщают, что он еще где-то сыграл на басу и спел как приглашенный музыкант.
Включив диск, вы вряд ли вытащите его после первого прослушивания.
Высшее качество звука, само собой, рекомендуется! \m/

resurgamresponses   2 дек 2023

На дворе стоит 2023 год, многие павер-группы сменили свой жанр в сторону хеви, кто-то не выпускает ничего, а кто-то Bloodbound. Они постоянно прогрессируют, меняясь от олдового пауэра типа Helloween, в сторону прог-метала ("Tabula Rasa"), потом возвращаясь к истокам, и еще позже становясь традиционным хеви-металом в духе Manowar.
Но тут наступает 2014 год, группа начинает тянуться к теме фентези, и получился "Stormborn", который многие критики называют полноценным пауэр-фентези, с чем я не согласен, ведь музыкальная составляющая еще довольно агрессивная - чего только стоит "Satanic Panic", а текста не так часто перекликаются с фентези. В отличие от следующего альбома "War of Dragons", в которых подобной лирики столько, что любой фанат драконов останется просто в восторге. Так же, как и от следующей работы шведов "Rise of the Dragon Empire", которая выдалась довольно слабой: в ней нашлось три шикарные песни, на которые Bloodbound делали
ставку, но на остальные восемь забили болт, создав припевы вроде попсовой "Tears of a Dragonheart", или даже копипастили свой припев "Silver Wings", только в разы медленнее, делая его неуместным. В 2021 году музыканты начали отходить от сахарного фентези, выдав "Creatures of the Dark Realm", который может стать предвестником новых замечательных работ, вроде "Ever Burning Flame", "Kill or Be Killed" или "The Wicked and the Weak".
И тут Bloodbound выходят с новой пластинкой, которая именуется "Tales from the North". Они анонсировали её аж в январе, за целых полгода до выхода, выпустив синглами целых 5 (!) песен из классических 11. Это было довольно странное решение, кроме того, четыре композиции взяты из самого начала диска, а пятая из самого конца. В чем был смысл непонятно, но синглы выдались очень годными за исключением "Drink with the Gods", о котором позже.
Альбом открывает заглавная песня "Tales from the North", которой нужно подражать, если вы не знаете как открывать альбом. Чтобы показать как это делать другому, просто включите ему эту песню, и все вопросы отпадут. Дальше идет крепкий середнячок "Drink with the Gods", который непонятно зачем засунули в начало, после мясного боевика, ведь это песня для концертов и застолий, лучшим решением было бы кинуть её куда-нибудь в середину, а также непонятна цель выпуска одноименного сингла, я думаю, что на "1066"
нужно было закончить, а "Drink with the Gods" продолжать исполнять на концертах до выхода непосредственно альбома. Дальше пред нами встает мощная "Odin's Prayer", которая является задорным боевиком, её бы следовало поставить после заглавной, она её как бы продолжает и заставляет слушателя сидеть в мурашках несколько песен подряд, а не только одну. Дальше идет забойная "The Raven's Cry", одна из лучших песен на пластинке, которая представляет собой фолковое интро, куплеты с барабанным галопом, и качающий припев.
Забавная история о том, как я вообще познакомился с Bloodbound: мы с братом сидим, слушаем песню какой-то пауэр-группы (уже не помню какой) на Яндекс Музыке, и под трек-листом видно новые релизы в этом же жанре. Брат увидел сингл "The Raven's Cry", но заинтересовало его больше название группы, оно ему показалось знакомым. После этого мы послушали сингл, нам понравилось, а брат пошел на поиски в свой плей-лист и дискографии, но он не нашел ничего, а я после этого начал слушать и изучать их.
Прошло четыре месяца, брат их после этого не слушал, а я постепенно начинаю становится их фаном.
Дальше идет "Mimir's Crystal Eye", которая начинается с клавишного разогрева, продолжая эпичным проигрышем. Вокальная линия тут вымученная, и пытается быть всё выше и выше. По некоторым моментам видно, что шведы пытались сделать новый "We Drink Your Blood", выпущенный немцами из Powerwolf еще в 2011. Ну что ж, попытка явно неудачная в плане хитовости и запоминаемости, но как проходняк на альбом пойдет. Шестым номером на пластинке выступила "Between the Enemy Lines", которая вполне подходит
на звание хита, но проигрывает другим претендентам. В песне нас встречает атмосферное начало, переходящее в гимновый запоминающийся припев. Аранжировкой припева композиция похожа на 11 номер предыдущего альбома, называющийся "Face of Evil". Но эта песня явно не сравнится со следующей композицией "Land of Heroes", интро которой состоит из фолкового вступления, и просто бомбического входа в игру гитар и барабанов, а впоследствии и вокала Джея Селлеби. Тут есть просто идеальный бридж, но на припеве есть небольшое ощущение будто во время создания вокальной линии композитор чего-то бормотал, вспомнил что он как бы вокальный мотив делает и из этого получился припев. Но я вынужден признать, что даже это получилось очень круто. Песне явно не хватило раскрутки, и в стриминговых сервисах в погоне за популярностью она с трудом занимает 5-6 места среди песен альбома. А жаль, песня явно лучше и хитовее всяких "We Raise the Dead", "Tears of a Dragonheart" или "Gathering of Souls". Дальше под номером восемь идет, как сначала показалось, просто жемчужина пластинки "Sail Among the Dead" - интро потрясающее, мелодичное, быстрое и атмосферное, куплеты тут с замечательной вокальной линией. Дальше идет бридж, и слушатель замирает в ожидании припева, и тут!.. И тут полный провал, как шведам пришло в голову запихнуть сюда ЭТО? И причем к вокальному мотиву можно не придираться, но как можно было сделать такую аранжировку с мотивом "туц-ТУЦ-туц-ТУЦ", который вообще не подходит настроению и задору песни? Этот припев (с подобной аранжировкой) смотрелся бы неплохо в среднем темпе, но сюда вообще, ну вот ВООБЩЕ не вписывается! Причем если вы не согласны, просто послушайте барабаны, то, как их сделали, вообще не в тему даже с самой вокальной линией (которая
тут тоже выбивается из темпа), они выбиваются и режут слух. Сюда подошла бы аранжировка, как на высокотемповых песнях (какой, собственно, и является "Sail Among the Dead"). Добавь сюда быстрые гитары и ударные, и всё сразу преобразуется. Вот представьте, если на старенькой "Turn to Stone" вместо крышесносного инструментала припева закинуть туц-туц, и слушайте на здоровье. А так, разочарование, и оценку снижаю с 11 до 9. Дальше идет "Stake My Claims", которая представляет из себя простой проходняк, и это всё что я могу про неё сказать. Под конец включается "Sword and Axe", очень крутая песня с замечательным припевом, пожалуй, одна из лучших на пластинке. Тоже недооцененная вещь, и очень зря. Замечательная симфоническая аранжировка на припеве, конечно, немного не хватает силы в вокале, но и без этого всё тоже очень круто. Завершает этот альбом символическая "1066". Именно в этом году закончилась эпоха викингов. Песня звучит, как завершающая предыдущий альбом "The Wicked and the Weak". Тоже хорошая вещь, идеально завершающая альбом, но её непонятно зачем выпускали синглом!
Я, конечно, может покажусь каким-то странным, что придираюсь к, казалось бы, пустякам, но извините, для меня это принципиально!
Альбом выдался очень годным, в этом направлении надо двигаться шведам! Пока что самый лучший релиз лета, и если вы не только любитель пауэра, но в добавку еще и фанат скандинавской мифологии, то пропускать этот диск, мягко говоря, глупо. Моя оценка: 9/10. Всем пока!

EchpochmakAlevtiny   1 дек 2023

После пары лет скандалов, препирательств, взаимных обвинений и тому подобных малоприятных событий, Оззи Осборн всё-таки покинул Black Sabbath, напоследок записав один из самых слабых альбомов группы - "Never Say Die".
Оззи еще что-то пробовал напеть на новом, находившемся в процессе сочинения материале, но у него совсем уж ничего не получалось. По слухам, это было то, что впоследствии превратилось в заглавный эпос "Heaven and Hell".
Тогда-то зловещая Круэлла Де Виль от мира менеджмента, еще-не-жена Оззи Шэрон Арден посоветовала взять на место её малахольного хахаля отставного вокалиста Rainbow - Ронни Джеймса Дио.
Дио не походил на предшественника ровно настолько, насколько это возможно. Начать с того, что мощный, красивый, классически поставленный (детская влюбленность в оперу и многочасовые занятия академической музыкой - правда, по классу духовых инструментов) голос Ронни был максимально далек от диковатой манеры Оззи.
А еще Дио был несколькими годами старше музыкантов своей новой команды, и вообще являл собой отчасти “сына маминой подруги”. Не склонный к бешеному “рок-н-ролльному” образу жизни, уверенный, знающий себе цену взрослый человек, компетентный, хоть и не выдающийся инструменталист, продюсер, опытный автор текстов и композитор. К своим без малого сорока годам Дио успел поучаствовать в создании величайших работ в истории хард-рока. Имелись у Ронни и недостатки, которые, согласно расхожей мудрости, продолжение наших достоинств. Жадность на деньги, диктаторские замашки, перфекционизм...
В общем, есть старинная мудрость, гласящая, что не стоит обращать внимание на всё, что сказано до слова “но”.
Каким бы клевым не был Ронни, он был человеком, который меньше всего подходил на роль “нового вокалиста Black Sabbath”. Дио это вам не Оззи, который пел по готовым риффам (иногда даже без нормального текста) простые вокальные “рыбы” со словами, взятыми с упаковки молока. То, что Ронни пел “поперек риффа”, это полбеды. Он еще и сочинял красивые, образные тексты, тяготевшие к пафосному фэнтези с некоей метафорической нагрузкой.
Странно как он вообще сработался с Саббат, где уволенный Оззи был, честно говоря, не единственным торчком и раззвездяем. Тем не менее Айомми, Батлер и Уорд приняли нового вокалиста. После ухода Осборна группу вообще сильно тряхнуло, на время уходил даже Батлер, который, правда, затем одумался и вернулся. В записи также принимал участие “запасной” Sabbath'овец Джеофф Николс, лидер прото-думеров Quartz. Сначала он должен был играть на басу, но в итоге остался клавишником.
"А как же те прекрасные пластинки, которые Ронни записал в составе группы?!" - возопит на этом месте читатель, буде он еще жив и способен следить за извивом моей мысли.
Альбом прекрасен, спору нет.
"Heaven and Hell" звучит мощно, ярко и отчетливо. Позади не только нарочитая лоу-файность ранних работ, но и витиеватость, эклектичность позднейших дисков, записанных с Оззи. Мартин Берч, один из знаковых продюсеров жанра, уже сотрудничал с Дио во времена Rainbow и нарулил нестареющий саунд такой классики, как "Rainbow Rising" и "Long Live Rock 'n' Roll".
Не подвел он и в этот раз. Перед нами хард-рок столь драйвовый и энергичный, что если бы не местами прощупывающаяся под всей этой тяжестью буги-блюзовая основа, то его уже можно было бы назвать истинным хэви-металом. Вообще, мастерство трио Айомми-Батлер-Уорд не подлежит ни малейшему сомнению. Но в этот раз новый продюсер и материал не дают им разгуляться, никакой “виртуозности ради виртуозности”. Гитарные соло красивы, барабаны и бас дают точную поддержку и нешуточную тяжесть, клавиши добавляют ярких красок. Но никаких закольцованных инструментальных эпизодов, под которые положено “зависать”. Только песни, только хиты!
"Neon Knights", построенная вокруг грохочущего гитарного риффа, врывается на большой скорости, и как говорится, пленных не берет. Мощный голос Ронни, находившегося едва ли на пике своих физических возможностей, захватывает внимание сразу же.
Торжественная, без нарочитой “неоклассичности”, но явно выросшая на прочном фундаменте старинной музыки, "Children of the Sea" демонстрирует не только умение Дио сочинять влет запоминающиеся вокальные мелодии, но и мгновенно переходить от лирического фальцета к его фирменной, грозной, рокочущей манере пения.
"Lady Evil" как будто залетела в трек-лист со второго альбома Rainbow, напоминая такие ритмичные боевики, как "Starstruck" или "Tarot Woman".
Заглавная "Heaven and Hell" более-менее демонстрирует то, что в конце десятилетия начнет оформляться в эпический дум-метал, но без занудства. Зато с запоминающейся мелодией, которую можно напеть даже при околонулевом слухе, и неким “средневековым” духом, который таится не только в лирике, но и в гитарных соло.
"Wishing Well" не столь знаменитая песня, но она ничуть не слабее остальных, просто другая, опять же наводящая на мысль о временах Rainbow.
Скоростная, боевитая "Die Young" содержит “внутри” небольшой лирический фрагмент с нежным фальцетным пением, тогда как по большей части просто сваи вколачивает.
"Walk Away" напоминает времена даже не Rainbow, а Elf - вещица полегче и порок-н-ролльнее остального материала, но такая же хитовая.
Под занавес альбома идет "Lonely Is the Word" - единственная композиция, к которой можно притянуть определение “баллада”, красивая и печальная.
Здесь читатель, доживший до этого абзаца, может опять же спросить, а к чему вообще были все первоначальные рассуждения о том, что Дио не подходит Sabbath? Мол, стоило ли заявлять такую заведомую ахинею, только чтобы потом заливаться соловьем, расхваливая песни, которые все (кому нужно) и так помнят.
Такому читателю я загадаю загадку.
Будь в реальности возможность отыскать на просторах планеты человека, который интересуется тяжелой музыкой, но при этом ничего не знает об истории рока (в наши дни такое невозможно, а вот в доинтернетную эпоху, да за Железным занавесом - вполне), и включить ему "Heaven and Hell", назовет ли он услышанное альбомом Black Sabbath?
Да, вы поняли к чему я клоню.
Влияние Дио столь велико, что хотя авторами числятся все участники того состава - Дио, Айомми, Батлер и Уорд, создается впечатление, что Ронни записал сольный альбом, задействовав для этого музыкантов одной известной, но находившейся в глубочайшем кризисе группы.
Я понимаю, что не вполне прав с фактической стороны, что сова маловата, а глобус великоват. Но от ощущения никуда не деться.
"Heaven and Hell" - альбом прекрасный, стопроцентная классика. Но к группе Black Sabbath, существовавшей в 1968-78 годах, эта коллаборация почти не имеет отношения, несмотря на 3\4 общий состав.

Mike Barlow   1 дек 2023

“Синдром утенка” - могучая штука, от которой почти ни у кого не получается избавиться. Так вышло, что "Born Again" был одним из первых (в числе приблизительно десятка) “тяжелых” альбомов, услышанных мной в жизни.
Времена были патриархальные, скачать за пять минут целую дискографию нечего было и мечтать. Зато была кассета TDK, и за уже забытую за давностью лет сумму денег можно было записать что-то из списка, распечатанного в формате А-4 и подшитого в замусоленный до неразличимости первоначального цвета скоросшиватель.
С Black Sаbbath я уже был знаком по самопальному виниловому сборнику из “архива Юрия Шалобасова”, да и краеугольные для жанра пластинки Deep Purple слышал неоднократно. Так что любопытство заставило обратить внимание на совместные альбомы Sabbath и вокалистов Purple. Потому на кассету легли “Born Again” и “Seventh Star”. Я, конечно, согласен, что, учитывая год, в который происходили описываемые события, логично было бы записать "Black Album" и "Rust in Peace", "Cowboys from Hell" и "Coma of Souls", "Nevermind" и "Ten", или, что наиболее вероятно, обе части "Use Your Illusion". Но я рано взял себе имидж консерватора-олдскульщика, считающего, что “раньше было лучше”. Смайл.
Вся эта лирика нужна была по большей части для того, чтобы сообщить почтеннейшей публике, что “синдром утенка” работает не всегда. С "Born Again" что-то непоправимо не так, и никакой нежный возраст, в котором альбом был услышан, никакое свойственное отрочеству почтение к “отцам”, не помогли.
Даже отсутствие приличной аппаратуры и кассетная перезапись ничего не смогли сделать со звуком, одновременно непомерно громким и пустым, с задранными верхами и выставленным куда-то в авангард вокалом. Более того, ничего с этим не смогли поделать и сорок лет переизданий, ремастеров и ремиксов. "Born Again" звучит варварски плохо.
Жанр рецензии в общем-то не предназначен для пересказа истории группы. Но всяк автор норовит ввернуть что-то остроумное из архивов обозреваемой команды. Так вот, музыканты дружно утверждали, что изначально не собирались работать как Black Sabbath, а планировали записываться под вывеской типа Gillan-Iommi-Butler. Но как известно, альбомы продает название, потому по настоянию менеджера "Born Again" стал не неким сайд-проектом, а новым диском Sabbath. Не слишком оригинальная история, учитывая последующую катавасию с "Seventh Star". Но всё-таки не дотягивает до той, где к проекту The Circus Maximus Марка Шелтона вообще уже на стадии печати буклета прилепили (неподходящим шрифтом) название Manilla Road, под которым Марк выпускать тот материал не собирался.
Гиллан чуть ли не в последний раз предстает перед публикой в хорошей, безо всяких скидок на возраст и заслуги, форме. И будто чувствуя это, наполняет альбом такими криками, визгами и хрипами, что они уже выходят за чувство меры и вкуса.
Одна из многочисленных баек, связанных с группой, гласит, что Ронни Дио из рядов Саббат выгнали за то, что он, занимаясь миксом "Live Evil", слишком завышал свой голос.
К моменту сотрудничества с Гилланом, Айомми, Батлеру и страдающему, а уже не наслаждающемуся алкоголизмом Уорду, видимо, стало плевать на всё и вся, и они предоставили продюсирование вокалисту, который сделал ровно то, за что Дио якобы указали на дверь. Сам Гиллан железно мотивировал местное сведение - мол, приглушил бас, чтобы тот не слишком гудел, да прибрал гитару, чтобы не рыкала. На что “шабашники” выпали в осадок, но что-то делать было уже поздно. И вообще, а нечего было бросать микширование на самотек!
Что же до самого материала альбома, то его нельзя назвать действительно слабым. Но с Саббат получившаяся музыка опять не имеет почти ничего общего. Разве что микроскопические инструменталы "The Dark" и "Stonehenge" напоминают о схожих номерах на старых пластинках.
Хотя авторами песен числятся все участники записи, можно сказать (лишь немного погрешив против истины), что Гиллан записал очередной диск группы Gillan при помощи инструментального состава Black Sabbath.
Что разогнанный до турбо-скоростей рок-н-ролл "Trashed", что блюзоватая баллада "Keep It Warm" легко представимы на альбомах Gillan начала восьмидесятых. Учитывая, что посвящены они гонкам и постельным утехам соответственно, сходство становится совсем уж “до степени неразличения”. Угрюмая, то взрывающаяся быстрыми кусками, то распевная "Disturbing the Priest", тягучая "Zero the Hero" и свирепая "Digital Bitch" (посвященная, по слухам, всенародной любимице Шэрон Осборн) чуть более “саббатовские”, давящие и мрачные.
Лучшая песня альбома на мой невзыскательный вкус - заглавная "Born Again". Медленная, но слишком тяжелая и пафосная, чтобы быть “балладой”, она скорее наследует эпическим композициям, до которых был так охоч предыдущий вокалист Sabbath. Хотя продолжительность в шесть с копейками минут трудно назвать “грандиозной”, всё же "Born Again" успевает нагнать атмосферы.
Зато "Hot Line" прилетела откуда-то из архивов Deep Purple.
При всем плохом, что сказано о звуке, ничего плохого нельзя сказать о профессиональных компетенциях музыкантов. Да и энергетики в записи хватает. Всё-таки новый певец взбодрил коллег.
В общем, альбом оказался подобен тосту из затертой застольной шутки - короткий (сорок одна минута) и мощный, как выстрел.
Также диск украсила обложка, которую модно ненавидеть, но непонятно, что плохого в новорожденном алом дьяволенке, это же Black Sabbath, черт их дери, а не Eagles какие-нибудь.
Но стилевая чересполосица, своеобразный микс и Гиллан во главе с шашкой наголо - всё это как-то не способствует восприятию альбома как цельного произведения. И как альбома Black Sabbath тем более.
При всем при том “Born Again” оказался коммерчески успешен и удостоился похвалы от самого Оззи, который обычно не слишком доброжелателен к своим сменщикам.
Начавшееся турне сопровождалось бесчисленными приключениями в духе Spinal Tap, да и при всей мощи глотки Гиллана, его исполнение “Black Sabbath” или “Heaven and Hell” очень хорошо описывается модным словечком “кринж”.
Так что очень скоро пути музыкантов и неуемного вокалиста разошлись. В отличие от других “разводов”, какого-то сильного негатива между Гилланом и Айомми не случилось, и в будущем они еще будут сотрудничать.
А "Born Again" остался наособицу, не только как единственный альбом Purple Sabbath, но и как некая нетипичная для группы загогулина.
Также поклонникам “короля риффов” остается только гадать, что вышло бы, если бы ему удалось заманить в студию Планта, а не Гиллана. Были тогда у Айомми такие планы.

Mike Barlow   1 дек 2023